Corría el año de 1973 y, entre el barullo de la escena musical de aquel entonces, se escuchó lo siguiente: “Es la mejor canción de todos los tiempos”. Quien lo dijo, Paul Simon, sabía muy bien de lo que hablaba y el peso que tal afirmación conllevaba.
Los garífunas o garínagu son descendientes de esclavos africanos traidos a América en el siglo XVII. Viven hoy en la franja costera de Nicaragua, Honduras, Guatemala y principalmente en las costas de Belice. Casi cuatro centurias después, vía el músico Andy Palacio, han cimentado nuevas maneras de sentir y de pensar su identidad: en mestizo, en lengua indígena o jerga negruna, en garífuna, finalmente.
PROGRAMA: 241 FECHA: 11-10-2024 ¿Sabías que la cultura ballroom ha sido un espacio de resistencia, creatividad y comunidad para las personas LGBT+? El viernes de activismo, exploramos el impacto de este movimiento de la mano de Ricardo Pérez - Caos. En el roperatzo, Jaime Ruíz del Instituto Mexicano de Sexología A.C. - IMESEX nos habló sobre el placer, la importancia de sentir placer y los tipos de placeres que experimentamos al relacionarnos con diferentes personas.
La historia de Stax Records es la de una compañía discográfica afincada en Memphis, Tennessee. Fue creada, en 1957, por Estelle Axton y su hermano Jim Stewart, originalmente con el nombre Satellite Records. Junto a la Motown, comparte el honor de ser considerado el sello más importante de la historia del soul.
El efecto causado en Floating into the Night conmueve cada vez que se le escucha. Son un canto y una música que sobresaltan el espacio sin violentarlo. La suavidad del murmullo es tan poderosa que provoca lo visual.
Albert Kuvezin decide hacer su música con instrumentos electrónicos típicos de la época, y a la inversa: canciones de rock tocadas con instrumental tuvano (violín de cabeza de caballo, cítara siberiana y percusiones hechas de piel de reno).
El 14 de enero el “Summer of Love” nació en el Parque Golden Gate de San Francisco, y reunió a cerca de 30 mil personas para manifestarse contra la guerra y a favor de los nuevos valores:
La ciudad de San Francisco recibía constan¬temente a decenas de jóvenes trotamundos que llegaban de todas partes, y así como lo había hecho la Generación Beat --su inspiradora en más de un sentido — aquella ciudad ya tenía fama de albergar a marginados voluntarios, que rechazaban los convencionalismos de una vida integrada al American way of life.
En el año 2019 se cumplieron cincuenta de la aparición del disco Bitches Brew, una obra que cambió los parámetros de la música, los del rock y del jazz y dio inicio a una nueva época sonora.
El título del álbum de Bennet Wilson Poole (I Saw A Star Behind Your Eyes) proviene de la letra de “Help Me See My Way”, el primer sencillo extraído del mismo, una oración de fortaleza para tiempos difíciles, cuyo video animado se emitió originalmente durante el encierro pandémico.
No hacen flamenco. Para ello ya existen muchos intérpretes, y muy buenos, los cuales representan las viejas tradiciones. Ojos de Brujo se ocupó de construir las nuevas.
En China, desde los años ochenta el rock y otras tendencias han sufrido lo indecible para sobrevivir. Regularmente se mueven dentro de lo marginal, tratando de mantener un perfil bajo, lo cual ha tenido consecuencias diversas en su desarrollo (todo sucede 20 años después que en el resto del mundo), entre ellas las deficientes técnicas de grabación, muy rudimentarias, y el prurito de poder ser encarcelados en cualquier momento.
En su juventud Elvin Bishop recibió un sinnúmero de clases en el manejo de la guitarra bluesera con Little Smokey Smothers en la casa de éste. El hecho dice mucho acerca del fácil acceso que se tenía a los guitarristas maestros en Chicago: prácticamente toda la élite posterior blanca del rock recibió clases de guitarra de manos de sus ídolos negros.
Utilizando el concepto de "construcción sonora" tal como se ha desarrollado dentro de la investigación sobre la música, como herramienta para documentar –con método histórico-- las prácticas tecnológicas y culturales de la grabación de sonido, esta emisión examina, muy someramente, la construcción de dicha imaginería a través de algunas obras producidas a través de prácticas de grabación de álbumes en vivo...
Robert Rodríguez es oriundo de San Antonio, Texas. Nació en 1968 y actualmente es un icono popular y director de culto cinematográfico. Es, también, la encarnación de una marca registrada de un complejo proyecto multidisciplinario que abarca la escritura, el cine, la actuación, la hechura de tiras cómicas (Los Hooligans) y la fotografía, entre otras.
En 1969 los cambios musicales anunciaban el giro radical que Miles Davis efectuaría en su álbum In a Silent Way. En él empleó una sección rítmica más amplia, la guitarra eléctrica y múltiples teclados eléctricos.
Unplugged en brevísimo tiempo se convirtió en el programa de mayor éxito de MTV. La reacción increíble a la oferta en medio de la insípida música enlatada sorprendió: se tenía la esperanza de que hubiera unos cuantos auténticos fanáticos de la música que se interesaran en algo así. ¡Y de repente los ratings por las nubes!
La versión de “Twist & Shout” de los Isley Brothers, fue la primera grabación de mayor éxito de la canción. Alcanzó el puesto número 17 en el Billboard y el número dos en la lista de rhythm and blues estadounidense. A partir de ahí fue frecuentemente versionada en el bienio siguiente de los años sesenta.
En la cultura del rock el selfie, como autorretrato, ha estado presente desde su nacimiento (no por la reproducción de una imagen, sino por otro medio, el musical), Fats Domino, unos de los pioneros del género, lo plasmó en “All By Myself” y, desde entonces, cada generación ha aportado lo suyo al respecto, definiendo la visión de sí mismo en cada oportunidad.
En los años cero del siglo XXI algunos grupos o solistas que han querido distinguirse de la masa (del mainstream) han optado por seguir un camino vintage dentro de la música. Dentro de esta corriente se encuentra la considerada “Tercera Ola del Rockabilly”.
Integrado en el año 2012 por los DJ’s parisinos Guido Minisky y Hervé Carvalho, Acid Arab perfeccionó con paciencia su estilo distintivo, colaborando con infinidad de cantantes y músicos de todo el norte de África y de Medio Oriente.
Lo dicho: el rock recurrió a Kafka para comprender la transformación personal de sus individuos en el ejercicio genérico; para matizar la experiencia de la metamorfosis expresiva en las obras.
Los músicos de rock en diferentes etapas y estilos han recurrido a Franz Kafka como uno de sus autores canónicos, por su multiplicidad de situaciones humanas, por su planteamiento de preguntas inteligentes y por su estado de confusión con respecto al mundo que los rodea.
Kind of Blue es la historia de una visión extraordinaria. A partir de entonces nada sería lo mismo para el jazz ni para Miles Davis. Fue un disco que lo transformó todo, no sólo para el género sino para esa forma de arte en general.
Por aquel entonces una pieza en escena era breve por lo regular. Pocos grupos contaban con la habilidad o la inventiva necesaria para permitirse una improvisación excesiva. Cream lo hacía y en abundancia. La palabra clave de su credo era ésa: improvisación.
Existen músicos que logran ponerte de pie cuando ya crees que no volverás a hacerlo, te ponen el interior en movimiento aun cuando consideras que ya no quieres hacerlo, y te muestran la emoción incluso cuando sientes que ya la has comprendido o vislumbrado.
Dentro del rock, uno de los mejores grupos yugoslavos (croatas) fue Azra. Su líder, Branimir Stulic, fue uno de los personajes más interesantes y contradictorios aparecidos en el punk yugo.
Para el balkan beat la música es un lenguaje anterior a la palabra y la suya está hecha de mezclas, interrelaciones e híbridos en una zona donde los muy nacionalistas y fundamentalistas exigen pureza. Por lo tanto, es combatido como si del “mal” mismo se tratara.
La influencia Beatle en Brasil motivó la creatividad de un grupo de músicos y compositores involucrados en la tarea de enganchar a su país a la modernidad a través del movimiento Tropicalista: Os Mutantes.
Hay escritores con los que te identificas de manera perdurable; que con su visión del mundo te vuelves cercano y empático con ellos, porque expresan de forma inmejorable emociones que has sentido.
Miles Davis improvisará sobre aquellas imágenes y aquel rostro (del que por cierto se ha infatuado, lo mismo que del resto del cuerpo y personalidad). Pero también lo ha hecho de aquel discurso fílmico. Louie Malle lo entiende y acepta la propuesta.
Desde hace siglos, la tristeza ha proyectado una sombra gigante sobre el arte. La belleza melancólica de la música de Lhasa de Sela, por ejemplo, hechizó al público desde su aparición en el Festival Lilith Fair de 1997. "Cantar es para mí la búsqueda de una verdad y el intento de trasmitirla", dijo.
Un hombre, una mujer, un corazón roto: ahí se resume todo. El blues se insuflará en uno desde ese momento. Es algo importante y cada uno lo canalizará de manera diferente, incluso algunos intentarán ignorarlo, olvidarlo, enterrarlo.
El caso es que los fanáticos de la morbidez genérica brotan década tras década para decir la misma cantaleta: “Rock is Dead”. Lo único que ha cambiado son los modos de perorar o tratar de destruir.
La guitarra eléctrica fue (es) el corazón del rock and roll y en eso tuvo que ver Les Paul, pues logró que el instrumento se convirtiera en un objeto que además de funcional, resultara atractivo. Al buscar la perfección del sonido también encontró la perfección visual.
Del guitarrista Nguyên Lê, francés de origen vietnamita, se puede decir que es un hombre inquieto musicalmente. En su carrera ha viajado desde el jazz rock más contundente (en sus acercamientos a Jimi Hendrix), al jazz más moderno en sus trabajos con diversos intérpretes.
Todas las personas somos mortales. Pero tal verdad para los músicos rockeros significa dos cosas: la primera, que morir es un repudiado accidente y, por otro lado, una oportunidad única.
Durante la primera escena, mirando por la ventana, deslumbra escuchar el monólogo interior de ese hombre que desconoce el sentido de culpa, que funciona como una máquina perfecta, calculando al milímetro todas las posibilidades para que su trabajo salga perfecto.
"El Teatro de la Crueldad ha sido creado para devolverle al teatro la noción de una vida apasionada y convulsiva...". La única forma de lograr esto, según Antonin Artaud (1896-1948), era viajar a un país donde hubiera que sumergirse para recoger los vestigios movientes, los mitos, y aspirar directamente su fuerza: ese país era México.
En la Inglaterra contemporánea crecen manifiestos sociales y artísticos agudos, danzarines y agridulces como el de grupo Cornershop cuya proclama es una fusión de música india, brit pop, rock alternativo y dance electrónico.
Programa: 203 Fecha: 19-01-2024 En nuestra noche de activismo Cris, Alex y La Abril charlaron con Carlos Samaniego, director de Mariachi Arcoiris de Los Angeles. Descubrimos su música y el por qué es un símbolo de inclusión y diversidad. En el roperatzo Horacio Franco, flautista nos dijo a qué violencias se ha enfrentado en el mundo artístico por pertenecer a la comunidad LGBTI+.
Lo sorprendente es que un hombre, como Miles Davis, que tocaba con aparente sencillez quisiera enfrentarse a tales retos técnicos desde el comienzo de su carrera como solista. Pero lo hizo, y esa experiencia le fue muy útil.
PROGRAMA: 202 FECHA: 12-01-2024 En el arte de la música, los coros y el canto, la diversidad de la comunidad LGBT+ es una sinfonía de voces que merece ser escuchada y celebrada. La representación adecuada en estas expresiones artísticas no sólo enriquece las experiencias, también fomenta la inclusión y el respeto. Para hablar de ello nos acompañó Óscar Urtusástegui, Director Ejecutivo del Coro Gay Ciudad de México En el #Roperatzo, Adrián Andrés quien se dedica a los medios de comunicación y el entretenimiento con enfoque LGBTI+, nos dijo a qué se enfrenta la comunidad en el ámbito artístico.
La savia del rock está compuesta de intuición y de actitud, sin embargo, en sus power ballads se descubre el espíritu auténtico de sus intérpretes. Los elementos primarios del rock requieren de velocidad y explosividad, son indispensables para marcar la dinámica y el latido corporal, lo cual está perfecto.
US Rails son historia y guardia pretoriana al servicio de un santo grial sonoro: el rock de raíces u americana. Su existencia se lee como novela negra y se ve como una road movie.
PROGRAMA:200 FECHA: 29-12-2023 Cerramos el año charlando con Roberto Salomón y disfrutando de su música. En el #Roperatzo personas de la comunidad #LGBT+ nos hablaron de su primer amor.
De esta manera el otoño del 2023 trajo varias sorpresas y motivos para festejar. La nueva película de Woody Allen, Coup de chance (Golpe de suerte), como sigue ocurriendo desde hace medio siglo; la noticia de que el director, con 88 años, continúa en activo produciendo buen cine, y la evocación de un tema clásico del jazz: “Cantaloupe Island”.
A lo largo de toda la obra, The Jethro Tull Christmas Album, destaca el uso de un lenguaje muy variado, donde la construcción de las frases se acerca a la narrativa inglesa con sencillos versos de rock (como siempre, también, el cantante hace hincapié en la ironía de las diversas situaciones).
El rock posee, por supuesto, su material clásico, y éste en primera instancia no es lo incomprensible, sino lo misterioso disfrutable. Es aquello con lo que se puede deleitar (individual o colectivamente) toda la vida; lo que continúa conmoviendo y sorprendiendo; es aquello que es imposible hacer mejor (en su momento y circunstancia).
John Mayall, en este álbum, hizo gala de orquestación e inspirado liderazgo: hubo piano, órgano y armónica (bajo su brillante peculio), solos de batería (Hugie Flint), bajos presentes y ampulosos (John McVie), un uso discreto, justo y preciso de los metales; puso en relieve la guitarra de Clapton y lo instó a cantar por primera vez en “Ramblin’ On My Mind”.
Patti celebró sus 75 años en París, una ciudad totémica para ella, donde colaboró en una gran instalación visual y sonora para el Centro George Pompidou, inspirada en la obra de los poetas franceses Arthur Rimbaud, Antonin Artaud y René Daumal.
A cada uno de los grupos o solistas que han enriquecido al rock desde otros campos, hay que agradecerles el trabajo por mantener en alto el estandarte de la originalidad que ha identificado las diversas e incipientes oleadas de nuevos estilos.
A través de su historia, en el conglomerado de prácticas sonoras que se hace llamar rock y que forman parte de un enorme pastel cultural (en el que se inscriben muchas prácticas artísticas), existe una música que no encuentra acomodo más que en los intersticios entre géneros (jazz, world beat, electrónica, etcétera).
Entre el material fílmico-musical sobresaliente acerca de la relación de los indígenas estadounidenses (nativoamericanos) y la cultura de aquel país, existen dos ejemplos de los cuales vale la pena hablar. Se trata de dos documentales sobre la influencia de la música autóctona en la Tierra del Tío Sam, tanto en la popular como en el rock, entre el racismo, la ignorancia y las ideologías retrógradas.
Se vestía como hombre, bebía grandes cantidades de alcohol y los textos de sus canciones eran de contenido sexual explícito. De entre todo ello brillaron dos gemas que le dieron presencia, pero no suerte.
El jazz como fondo musical de los años locos (los veinte del siglo XX). Esta es la imaginería musical que ha acompañado la lectura de los textos de Scott Fitzgerald, desde entonces, pero en esta época de fragmentación y recomposición entre pasado y presente, dicha sonoridad se ha transformado con nuevas maneras de escucharla.
Sus gestos apasionados no expresan más que fuerza. Si la personalidad artística setentera de Patti Smith destacaba por su furia bruta, en los de las décadas del siglo XXI que van, sus presentaciones son igualmente poderosas con sus serenas reflexiones sobre las cosas que nos afectan.
Popol Vuh, grupo alemán puntal del krautrock, influyó en muchas otras bandas con su instrumentación excepcionalmente suave pero elaborada, que se inspiró en la música del Tíbet, la India, África y la América precolombina.
Al igual que con Robert Johnson, de quien partió la leyenda respectiva sobre el diabólico “cruce de caminos”, de súbito apareció otra al finalizar los años cuarenta.
Pascal Comelade es un músico poliédrico, sin definición precisa, difícil de clasificar en un apartado genérico (¿rockero ultra, minimalista expandido, innovador insolente?), y haría mal quien lo hiciera.
El rock había sido durante medio siglo un fenómeno de vastas consecuencias en la vida y costumbres de millones de personas en el mundo, hasta ese momento: fin de siglo y de milenio.
B.B. King extraía de su instrumento (bautizado como Lucille: todas sus guitarras se llamarán siempre Lucille) un sonido instantáneamente reconocible.
Programa: 184 Fecha: 08-09-2023 La representación de personas LGBT en la industria musical es esencial porque promueve la diversidad, la visibilidad y la inclusión en un espacio que llega a audiencias de todo el mundo. Al destacar artistas que son abiertamente LGBT, se desafiaban estereotipos y prejuicios, permitiendo que personas de todas las orientaciones sexuales se sientan identificadas y aceptadas. Por ello escuchamos la propuesta que nos presentó Mamayolo, “San Arte” un álbum folclórico, sensible e irreverente.
La importancia de B.B. King como bluesman, como guitarrista eléctrico y como influencia sobre generaciones enteras de instrumentistas (de blues, rock y jazz) fue inmensa. Incluso las recientes hordas del hip hop le han dado ya su lugar en las nuevas corrientes musicales.
Haustor fue una banda de rock croata formada en Zagreb en 1977, cuando el guitarrista Darko Rundek conoció al bajista Srđan Sacher y juntos crearon al grupo con Ozren Štiglić (guitarra) y Boris Leiner (batería), para luego agregar al año siguiente al tecladista Zoran Vuletić y una sección de metales, tras lo cual mostraron su influencia de la música caribeña, que añadieron a sus interpretaciones.
El primer single de Elvis Presley titulado “That’s all right”, fue una fusión de música country y blues (llamada desde entonces Rockabilly), que llegó a ser un considerable éxito local y que, asociado con las bárbaras presentaciones que Elvis daba en el podio, se encargaría de que la supremacía del suave y empalagoso pop desapareciera para siempre.
Con Gone Again "Tenía dos opciones -dijo Patti entonces-: pensar en Fred, mi fallecido compañero, y entregarme a un mar de desconsuelo total, u optar por lo positivo, por esa alegría que él emanaba y por la confianza que me ayudó a desarrollar.
Debido a su voz baja, profunda y amenazadora. Lo comenzaron a llamar “Howlin’ Wolf”. Con su técnica en la armónica, además, consiguió atraer la atención de la audiencia y hacerla saltar.
La novela Escupiré sobre sus tumbas, ambientada en los años cuarenta, pertenece a la saga escrita bajo el pseudónimo de Vernon Sullivan, un supuesto escritor afroamericano de piel clara.
En 1996 le había llegado el momento. Con dos integrantes del antiguo Patti Smith Group, el guitarrista Lenny Kaye y el baterista Jay Dee Daugherty, acompañados por los guitarristas Tom Verlaine y Oliver Ray, el bajista Tony Shanahan y el tecladista Luis Resto, Patti se concentró en el estudio.
Pocas agrupaciones como R.E.M. seguían creando polémicas y polarizando las opiniones tras casi tres décadas de existencia.
Charlie Musselwhite, a quien nunca le ha gustado la nostalgia y con cada disco apunta su valor de actualidad, aceptó la reunión con Ben Harper y en dos obras (Get Up!, publicado en 2013, y No Mercy in this Land, del 2018) enseñaron que, además de constituirse en un binomio musical formidable, representaban la alianza y simbiosis del blues entre dos apasionados musicales de generaciones distintas.
En 1877, al inicio de la Revolución Industrial, dentro de un laboratorio privado cerca de Nueva York, el inventor Thomas Alva Edison descubrió que era posible guardar el sonido con cilindros grabados en cera. Bautizó su aparato como "fonógrafo".
“La canción 'People Have the Power' fue muy importante para Fred, mi esposo. Realmente nos compenetramos con esa canción. El concepto y el título eran suyos. Fred tenía muchas ideas para canciones de orientación política.
Para la gira Byrne decidió poner a prueba nuevas ideas en el escenario. Pensó en el asunto como una puesta teatral, haciendo de todo ello una experiencia visual más emotiva. Incorporó elementos escenográficos, coreográficos y de vestuario (adaptando a su estilo el enorme traje blanco inspirado en el teatro Noh japonés).
Son pocos los guitarristas de blues que con un riff aparentemente simple (como el de “Dust My Broom”) impusieran parámetros tan influyentes. Uno de ellos fue el bluesman Elmore James, quien además fue un estupendo cantante. Hacía deslizarse por las cuerdas a la bottleneck, como ningún otro hasta entonces.
The Divine Comedy, producto de una vasta cultura individual, es un proyecto musical en el que por sus letras transcurre poesía moderna, romántica y simbolista, literatura de entre siglos; pintura prerrafaelita, expresionista y abstracta; cinefilia (surrealista, nouvelle vague, musical y de época) y el pop barroco contemporáneo
En 1978 fue ocasión para su concierto de "resurrección" y del lanzamiento de un nuevo álbum, Easter. Incluía "Because the Night", escrita por Patti Smith y Bruce Springsteen, la cual se convirtió en un gran éxito, lo mismo que el ya clásico tema "Rock 'n' Roll Nigger".
Se sabe sobre la cinta recién descubierta, que la sesión fue grabada por el saxofonista Joe Bazil y encontrada entre sus pertenencias, tras su muerte en el 2008. A la dotación de su cuarteto, Coltrane le agregó tres músicos: Carlos Ward (en el sax alto), Pharoah Sanders (sax tenor y percusión) y Donald Garrett (doble bajo), convirtiendo la agrupación en septeto.
El rock es un árbol tan tupido, y tan lleno de cosas de la más variada índole, que nunca se le ve el fin. Tal vez, porque no lo tiene. Sin embargo, para muchas personas involucradas en él sí lo hubo, ellos representaron parte de aquellas cosas mencionadas.
Dueño de un estilo de canto profundo, este artista sensible oscilaba entre la accesibilidad melodiosa y la vanguardia afectada. Un sonido difícil de consumir. Además, no se hacía presente, apareciendo rara vez en público. La reputación de un músico ultra progresivo arriesgado, difícil, tímido e inseguro entorpeció su carrera.
Lo llaman el Continente Negro. Algunos estudiosos hasta apuestan que de ahí surgió el ser humano; otros muchos a ciencia cierta afirman que ahí nació el lenguaje, el baile, la sensibilidad que caracteriza al homo sapiens y, por si fuera poco, la música.
A la cabeza del Patti Smith Group, las letras de ella mezclaban oscura poesía mística y visionaria, imaginería sexual y política activista, y las interpretaba con una voz rasposa que contenía más furia y abandono de los que cualquier rocanrolera se hubiera atrevido a manifestar jamás
En ese álbum, Adams vinculó aquellos 18 años con los 18 dentro del sello, y los 18 idílicos con el elemento de la preservación juvenil, el cual fluye por los doce temas que lo componen, identificados todos con el sentimiento y la emoción.
Hoy, los nuevos grupos echan mano del sonido primigenio, pero también del rhythm and blues y el blues eléctrico de Chicago y rinden tributo a los emblemas del rock and roll clásico, a la escuela del blues-rock británico, al pub-rock, al punk y al indi.
A Anton Corbijn le fascina la cara de la gente. A través de la fotografía y de los cientos de videos que ha dirigido en el género rockero, pone en escena a personajes conocidos, para producir un tipo de obra que se sumerja en la complejidad de la vida cotidiana de los “Yos” más rotundos.
Su apariencia demacrada y andrógina --cara muy blanca y delgada, cabello oscuro y lacio, piernas flacas enfundadas en negro, botines de boxeador, playera blanca rota--, carismática presencia escénica y presentaciones impredecibles pero intensas la convirtieron en uno de los personajes más comentados de la escena neoyorkina de arte y rock a comienzos de los años setenta.
La pieza de Hendrix fue única, sin abarcar sus formas plenamente. Otros se han encargado de hacerla clásica con sus poliédricas interpretaciones. Jimi Hendrix fue un hito que canalizó la música por los caminos de su encrucijada estética: la búsqueda de horizontes distintos.
Aunado a teorías filosóficas y mediáticas entre siglos, se inició el cultivo global de todas las formas musicales contemporáneas, con un componente electrónico (en su grabación y ejecución) que les ha proporcionado una especie de hiperrealismo inmerso en el seno de la sociedad industrial de la que ha surgido, ebria de sus sonidos particulares, fascinada por su propia fuerza y creatividad, pero también atenta a su independencia artística.
El profundo pozo de potencial creativo expresivo que constituye la máxima fuerza del blues, tanto como la amplitud y fertilidad de su influencia en otros géneros, encuentran una ilustración sin par en una de sus representaciones más sobresalientes, el blues texano.
“MC5 apoya la revolución plenamente. No se han armado aún porque poseen recursos más fuertes: el acceso directo a millones de jóvenes a través del rock and roll, es uno; la fe en lo que estamos haciendo, el otro. Pero de hacer falta utilizarán los rifles. Harán lo que sea necesario ante la ausencia de ilusiones”.
Las piezas del género rockero (en cualquiera de sus cientos de variantes estilísticas) han alcanzado emociones y objetivos profundos, es decir, la poesía (con Bob Dylan y Patti Smith como parámetros).
Straight Songs of Sorrow mostrará a todos los Mark Lanegan conocidos de una manera atingente y estruendosa. Es un trabajo de lucidez en donde el músico se descubre, se disecciona sin piedad y pone en la balanza las consecuencias de quien ha sido.
Bardo, intérprete, agitador. Ello es parte de lo que fue LeRoi Jones, un hombre multidimensional, ideal para conceptualizar como vehículo expresivo de tal lucha. El libro Blues People, de su autoría, lleva un subtítulo significativo: “Música Negra en la América Blanca”.
Cuando hablo de la influencia recíproca entre el rock y la poesía, debería poner énfasis en el hecho de que la poesía contemporánea se ha beneficiado más con el rock de lo que el rock ha obtenido de la poesía contemporánea.
El Mersey beat fue un acontecimiento crucial en la historia del pop y el rock, produjo una música ambivalente cuya aportación ha perdurado e influido en diversos géneros por casi seis décadas. En la actualidad, representando al sonido beat están The Beatophonics, grupo danés fundado en el 2010, pulido, cremoso, muy placentero al oído y absolutamente embriagador con su licor evocativo.
Aún mucho después de que las luciérnagas-pop hubieran desaparecido, el rastro de su maravillosa existencia y actuación permaneció largo tiempo dentro de mí.
El rock, pues, en estos años de la tercera década del siglo XXI continúa su buena marcha volviendo, tras los confinamientos, a llenar los conciertos en estadios, auditorios o clubes; a vender todos los boletos de los festivales masivos de larga duración (dos o tres días),
Acompañar esta Navidad con un disco diferente, singular, que contenga una antología de buenas canciones que ilustren la temporada de manera apropiada. Con interpretaciones que sean disfrutables y enriquezcan el espíritu de tales fechas y se sobreponga al muzak from hell que te puede estar rodeando.
La esencia fundamental del rock, su savia, es la intuición. Y a ella se remitió para cambiar las cosas, para innovarlas. La era Beatle había llegado a su fin y en este sentido hubo varias clases de innovación: algunas consistieron en cambiar de respuesta (o sea: evolución) y, otras, que llevaron a cambiar de pregunta (o sea: una revolución).
Desde 1972 han pasado 50 años (¡medio siglo!). Al comenzar los años setenta grupos y solistas como éstos (Rolling Stones, Lou Reed, Neil Young, David Bowie, Deep Purple) grabaron cosas trascendentes, produciendo con ello la mejor materia prima del momento.
Tras su aparente tinglado de novela negra, En el nombre de la rosa, está también su incuestionable condición de tratado filosófico y la de libro clásico que admite un sinnúmero de lecturas posibles.
A partir de 1967 el artista —en este caso el rockero propositivo— presentaba una visión del mundo que podía ser mejor de lo que era, sobre la base del respeto a la libertad individual. En ese momento de su historia se encontraban los Beatles.
El estigma del Too much, Too Young, se cumplió sin menoscabo alguno en la persona de Gene Vincent, uno de los jóvenes creadores del rock and roll primigenio.
El concepto de la Mystic Rhythm Society, basado en una mezcla de bebop, hip hop y free jazz controlado, pretende explorar las estructuras del universo y expresar esas formas por medio de la música.
En el fondo lo que Steve Coleman busca es un encuentro verdadero y profundo intercultural. El resultado indiscutible fue el disco The Sign and the Seal (1996) (cuyo título hace alusión al libro de un periodista inglés sobre el destino del Arca de la Alianza), disco magistral cuyo subtítulo debe tomarse al pie de la letra.
Programa: 139 Fecha: 28-10-2022 Hay muchas formas de visibilizar la vida y lucha LGBTTTIQA, por ejemplo las películas, cortometrajes y documentales, nos ayudan a comprender más a fondo lo que viven las personas de la comunidad. En el marco del Día de la Intersexualidad, hablamos con Tomás Aceituno Maldonado director de la película INTERSEX y con Naina creadora del tema central del largometraje. En el Roperatzo, la bióloga y sexóloga Anayency Espinosa, nos dijo la importancia de una concepción de la intersexualidad, más allá de una explicación biologicista de lo binario.
La historia de los Beatles cuenta con muchos comienzos --todo el tiempo se reinventaban--, y el del lanzamiento de aquel álbum desencadenaría otro fenómeno planetario anexado a su ya de por sí largo bagaje: la psicodelia.
La lista completa de los grupos para los que el icono (artístico) llamado Velvet Underground ha sido referencial a lo largo de la historia del género rockero, desde los años sesenta (sobre todo su primer álbum, The Velvet Underground & Nico), sería inabarcable e infinita, puesto que con el paso del tiempo se siguen agregando nombres tanto de bandas como de solistas, así como tributos a su obra.
Entonces llegó 1922 y Ludwig Wittgenstein, en su Tractatus lógico-philosophicus, dio en el clavo al protestar contra la arrogancia de sus colegas, filósofos y científicos, cuando repudiaban el “lenguaje ordinario”, denunciando en ese rechazo igualmente la ilusión de un “lenguaje extraordinario”, porque no tenemos más lenguaje que el ordinario, no hay una alternativa al lenguaje más allá de él, y sería sólo en sus márgenes en donde brillarían las demostraciones, los ritmos y las armonías.
Slim Harpo, uno de sus más conspicuos representantes de la música swamp, era un tranquilo hombre de Luisiana que se ganaba la vida en una empresa de camiones pero que tocaba diversos instrumentos para desahogarse con lo que llamaban “blues del pantano”.
Estamos ante un par de obras ejemplares. Primero Help! donde ya no hay tanto pop beat, a pesar del golpe grandioso de éste en la canción “Help” que abre el disco, en cambio hay más folk-rock, rockabilly, rock barroco, country and western y composiciones en clave intimista, entre las que destaca sobremanera “Yesterday”, quizá la canción beatle más versionada de todos los tiempos, y para muchos críticos y músicos la mejor balada de la historia del pop.
Punk Jazz es una completa antología que cuenta en detalle la verdadera revolución detonada por el enfoque de avanzada de Jaco Pastorius en las 4 cuerdas. Dicho álbum cubre casi todo el trabajo de Pastorius desde sus trabajos como solista, su etapa con Weather Report, selecciones de sesiones como solista, director de orquesta y la Jaco Pastorius Big Band.
Jimmy Reed fue uno de los grandes pilares del sonido Chicago en el blues. El propio título del disco tributo que Ron Wood le dedica, Mr.Luck, proporciona básicamente el leit motiv que argumenta tal antología.
Para hablar del grupo de The Buzzcocks, se tiene que hacerlo necesariamente sobre el punk británico, desde sus orígenes sociales míseros y crudos hasta la concientización y sofisticación intelectual con respecto a su entorno.
Kunta --el personaje protagonista del libro Raíces--, nacido en Gambia en 1750, crece inmerso en la dignidad típica del "Buen Salvaje". De hecho, hay poco que lo diferencie de Oroonoko de Aphra Behn, con la excepción de que la suya es una dignidad primaria con alma.
A Hard Day’s Nigh (La Noche de un día difícil, de 1964) es la magnífica continuación del grupo (en cuanto a lo discográfico, al igual que sería la innovación en lo cinematográfico), pero ahora sólo con temas propios de Lennon-McCartney. La inmediatez, la energía y la inocencia siguen intactas.
La conducta revolucionaria dentro del género jazzístico es a menudo la más constructiva de todas las conductas sociales, porque constituye una afirmación del derecho del individuo a existir como tal en una estructura colectiva.
¿Cuál es la fuerza impulsora más grande en la vida de un músico revolucionario? Básicamente, se trata sobre todo de sostener motivaciones genuinas, de la voluntad de procurar lo mejor de manera radical, de perseguir el ideal estético que tiene delante de sí como la imagen de un sueño.
Aquellas primeras manifestaciones colectivas hacia el rock and roll y sus intérpretes pioneros fueron poco capturadas fuera de los sets cinematográficos o televisivos.
El debut del grupo, Please Please Me (lanzado en 1963), se convirtió en todo un éxito en el Reino Unido, fue un luminoso estallido de gozo y exultación musical. Contenía ocho temas compuestos por la novísima mancuerna Lennon-McCartney (fogueados durante seis años en antros, bares y clubes de diversa ralea alemana y británica) y media docena de piezas (cóvers) de autores estadounidenses.
"Felix inventó el concepto de nuestro sonido ─afirmó el guitarrista Gene Cornish, en su momento─. Dijo que basaríamos todo en el órgano Hammond. Sería como una alfombra. La batería y la guitarra proporcionarían el ritmo. Juntos, el órgano y la guitarra formarían un sonido completo y único, como una orquesta.
El blues más rápido y extremo, el boogie, era el diálogo directo con el Diablo, con su representación, presencia y aceptación de las debilidades, deseos y caídas. El nombre mismo del subgénero lo evocaba: Boogieman.
Por fortuna las ciencias sociales ofrecen una pertinente opinión al respecto de la interpretación del blues por parte de músicos blancos (o no negros), cuando afirman que cualquiera que haya tenido relación con un hecho cultural (en este caso el blues) a una edad lo suficientemente temprana como para no tener formado demasiados prejuicios sobre él.
Kurt Cobain era un gran lector, estaba orgulloso de ello, y la estética de sus letras --muchas recubiertas de una buscada banalidad rabiosa, pero de encriptados sentimientos y uso de interesantes figuras poéticas--, estuvieron muy influenciadas por su bagaje literario.
Programa: 122 Fecha: 28-06-22 En el Día del orgullo, Alex, Cris y La Abril conversarón sobre la igualdad de derechos, la no discriminación, el respeto y la dignidad de la comunidad LGBTIQA+ con Jonathan Altamirano. En la música: Real Venus
Oír lo que Reigning Sound hace hoy, fuera de las modas, es hacerlo con una banda contracultural. Un espécimen raro en el mundo de lo homogéneo. Muy peligroso para lo habitual.
El metal más preciado, el oro, por mencionar algo, es poseedor de un alto valor de cambio, pero no sirve de manera directa para nada funcional. Mientras que unas tijeras, por su parte, tienen, en general, más valor de uso que de cambio.
Bajo el sello Blue Note han aparecido sus álbumes eléctricos plenos de gruesos órganos, bajos fuertes y baterías distorsionadas, condimentado todo con mucho noise de Medeski, Martin and Wood. Una receta emocionante, sin fallas y a final de cuentas muy placentera.
En sus inicios, al comienzo de los años noventa, John Medeski, Billy Martin y Chris Wood se encontraban en el peldaño más bajo de la escala musical en la ciudad de Nueva York.
En la actualidad: ¿Qué significa el lunes? ¿Un azote existencial? ¿Un castigo divino por el mal comportamiento del fin de semana? ¿El día más lejano del viernes? Son algunas de las muchas preguntas que provoca tal espacio temporal. Todas ellas llenas de lamentos, sufrimiento y penalidades. Pero también de sentido del humor (negro y capitalista, eso sí): se ha inventado un día del año para celebrarlo
Hacia el final de otro año fatídico, siguieron sonando las notas que expresaron el duelo por los rockeros caídos en el cuarto trimestre del 2021. En octubre, la Parca pasó de puntitas, sin hacer mella, pero en noviembre y diciembre, en el último suspiro del año, escogió a dos de ellos para llevárselos: Graeme Edge (de Moody Blues) y Mike Nesmith (de los Monkees).
Fue en un concierto en Canadá donde comenzó la leyenda de Jerry Lee Lewis. “Quería hacer algo diferente para mi público, así que me levanté mientras seguía tocando el piano y al topar mis botas con el taburete, lo pateé hacia atrás y empecé a aporrear las teclas de pie y con mis botas", ha recordado.
La expedición al maravilloso mundo musical de los cubanos se dio en un momento importante de la carrera de Roy Hargrove, en el que tenía que mostrar un estilo personal para distinguirse de sus compañeros de instrumento y de generación como Marcus Printup, Marlon Jordan, Russell Gunn y Roger Ingram.
Hay canciones en las que sientes el espíritu de la emoción, como en las baladas lentas que pertenecen a una especie distinta de canción. Logras con ellas, escuchándolas, la atención en los márgenes de una tiniebla real, sin duda.
William Gibson el autor de la novela cyberpunk por antonomasia, Neuromancer, ha dicho lo siguiente: "Lo más importante para mí es que el texto habla sobre el presente. En realidad, no trata de un futuro imaginado. Es una forma de manejar la admiración y el terror que me inspira el mundo en que vivimos.
"Key to the Highway" es una canción clave en la mitología del rock. Surgió de sus raíces negras, la integró como uno de sus himnos y la volvió una de sus ramas más sólidas y fructíferas, tanto en lo musical como en sus relaciones con la narrativa y la poesía, con la palabra en última instancia.
Jimi Hendrix empezó su camino musical como un guitarrista titubeante y promedio, en sus primeros momentos. Incluso llegó a ser objeto de burla. De la misma manera que Robert Johnson e igual que él, súbitamente, en un punto indeterminado del tiempo, irrumpió como el guitarrista más impresionante y heterodoxo del mundo.
El escritor Milan Kundera (nacido en Checoslovaquia y exiliado en Francia) consagró la levedad como virtud, la colocó en un libro que recuerda la “ineluctable pesantez del vivir” (que sentenció Italo Calvino) dentro de una red tradicional de relaciones sociales y sentimentales.
En los genes de la época que estamos viviendo hay un gusto esencial por la cultura vintage, es decir, por la primacía de un tono emocional melancólico, que ya se encuentra por doquier (en el cine, en lo culinario, en la moda, en las artes plásticas, etcétera).
Ray Charles fue uno de los personajes más importantes para la música negra en los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones, caracterizadas por un ritmo y una alegría únicos, en esencia fueron canciones de gospel con letras seculares.
El susurro de él al oído de ella, en la película Lost in Translation, se ha convertido en piedra de toque para la especulación más diversa debido a su opacidad.
El inicio de la tercera década del siglo XXI ha sido traumático, desdichado e impredecible. El bicho que nos infestó desde el 2020 (Covid) continúa su marcha contagiosa y mortal. Millones de personas han fenecido en el mundo por su causa. Pero a la ciencia y al sentido comunitario confiamos el combate.
Durante las últimas semanas de su vida, Jimi Hendrix se había ocupado con un proyecto de big band bajo la dirección de Gil Evans. Ya no pudo ser realidad, pero inspiró al director y compositor para en 1974 llenar todo un concierto en el Carnegie Hall con las composiciones de Hendrix.
Al ser ambos buenos guitarristas, los hermanos Everly utilizaban un estilo de armonía cerrada en el que cada uno cantaba en un tono que normalmente sonaba como una melodía pausada. En comparación con la armonía tradicional, que resulta de dos o más voces con el ritmo parecido y distintos tonos.
De una u otra manera la ruta por la que se transita hacia destinos opuestos –cielo o infierno--, alineados o no los planetas, contiene una historia de al menos medio siglo, con riffs poderosos, una gran melodía en cada uno de sus hitos, buenos ritmos y letras memorables.
Paul Simon, era un creador minucioso que ya dominaba el secreto de los grandes compositores populares (se consideraba un heredero de la tradición de George Gershwin, Cole Porter e Irving Berlin) con canciones accesibles a la primera escucha y que poco a poco iban revelando después sus muchas sutilezas.
Originalmente, la discografía de Fats Domino es gigantesca y la paleta que presento aquí es sólo un pequeño muestrario al respecto. Lo que destaco en este tributo es a sus admiradores más conspicuos y que representan el espíritu del rock and roll en alguno de sus tiempos y facetas.
La combinación de músicos fue inspirada. Albert King era el guitarrista más influyente de la era moderna del blues; y John Mayall, el principal conceptualista del revival inglés del blues en los sesenta. El álbum no fue editado en su momento porque, si bien encargado por Stax, el sonido no coincidía con el catálogo general de la disquera.
Empapado por el cine estadounidense de los años cincuenta surgió el gusto estético del director francés Bertrand Tavernier (nacido en Lyon en 1941 y fallecido el 25 de marzo del 2021). Él fue un director con título de ejemplar, que se mantuvo cercano a la realidad social durante toda su carrera cinematográfica.
De cualquier forma, no existe una palabra precisa que defina la música de Roomful of Blues: una mezcla embriagante de muchas cosas. Se percibe el fraseo del jazz, el lamento del soul, la forma del blues y el beat del rock. Llámenlo rhythm and blues, si quieren, pero sólo se habrá rascado la superficie.
Del año 2020, en el que todos vivimos en peligro (pero algunos no lograron superarlo), hoy recordamos los nombres de aquellos que se fueron por entonces de manera silenciosa, sin recibir el obituario justo debido a la densidad mortal que distrajo de ello.
Con el disco Live ’91 el multiinstrumentista, cantante y músico africano Manu Dibango había encantado a la escena musical jazzística del mundo con su anexión al vanguardismo dentro del género denominado "acid jazz". Live ’91 (magnífico ejemplo interpretado en vivo de tal momento musical) fue grabado en compañía del rapero británico MC Mell'O.
Como una manera de festejar el aniversario número 70 del rock, me propuse exponer en el soundtrack de esta emisión una lista, del todo subjetiva y sintética, con las siete canciones que a mi parecer representan a cada una de esas décadas
Hay discos que jamás dejan de llamar la atención. ¿Por qué? Porque son clásicos. Pero ¿qué es lo que los convierte en clásicos? Actualmente, cuando la capacidad de atención es tan limitada y fragmentaria: los álbumes clásicos como los de 1971, que han cumplido cincuenta años
Desde 1971 han pasado 50 años. Al comenzar los años setenta grupos como The Who, los Rolling Stones o cantautores como Leonard Cohen grabaron cosas trascendentes. De tal manera lograron producir canciones importantes y memorables. El tiempo ha pasado y se han reafirmado en ello.
Alguna vez Dylan fue sospechoso de vagancia, de pasear a su aire, de ir pensando, de padecer un sentimiento, de vestir de mala forma. Fue sospechoso ante la gente, sospechoso ante la autoridad. Fue sospechoso. Punto.
El acontecimiento más importante (y trágico) del año 2020 fue la llegada del coronavirus que arrasó con cientos de miles de vidas humanas y con la salud, economía y socialización de los países del orbe en general, con secuelas aún ignotas, pero nada buenas para el mundo.
Los artistas de los tributos a Jack Kerouac se concentran en distintas partes de la obra del estadounidense, en las cuales su teoría de la escritura automática adquiere formas claras. Cada generación, desde su fallecimiento, tiene la cabeza llena de sus mensajes cabales. Lo trascendental de ellos es que permanezcan sus palabras.
Hay unos acordes en la música que son declaraciones claras y sencillas por parte de la personalidad, del poder, de la sensibilidad finalmente, de un grupo o de un músico de forma única.
En Rolling Thunder Revue, que se centra en la gira que Dylan inició en 1975 en otra de sus facetas estéticas, y que además se dio en medio de las grabaciones del disco Desire, que hablaba sobre su ruptura sentimental, tiene como fundamento las palabras verdaderas del autor sobre su quehacer, ante la constante necesidad de precisión sobre ello y emite auténticos aforismos al respecto
Mientras la derechización y el nacionalismo se entronizan en diversos lugares del planeta en el año 2019, el rock y algunos de sus subgéneros, por otro lado, muestran el camino de la resistencia. Sharon Van Etten, en su relación folk con otros estilos como el rock puro, el rockabilly o el bluegrass. Vampire Weekend usa su música para hacer crítica social en pro de los cambios.
La veta musical llamada Marc Bolan, explotada post mortem sin consideración por compañías discográficas y sus buhoneros, la retomó Willner para dignificar su legado compositivo primordialmente y, sin quererlo, firmar su propio testamento artístico.
La Lisboa de la mitología sórdida y de la acuarela fácil está cada vez más distante. Thievery Corporation y sus invitadas han querido mostrar en el álbum Saudade la luz especial de la capital portuguesa, única en el mundo. Una luz que tiene un alma más luminosa y muchas canciones para expresarla.
“Cuando empecé a escribir mis propias canciones, la jerga del folk era el único vocabulario que conocía, y lo usé. Pero también tenía principios y sensibilidades y una visión informada del mundo.
Sin mayores rodeos mi prima Águeda me preguntó con mucha curiosidad si lo malo que se decía sobre Avándaro era verdad. Le dije que no, que había sido otra cosa, que el rock lo abarcaba todo aquí y en otros lados y en cualquier idioma.
Programa: 79 Fecha: 03-09-2021 ¿A qué se enfrenta la comunidad trans cuando acude a una revisión médica? Hoy charlaremos con la sexóloga Mayra A. Pérez en el marco del Día Internacional de la Salud Sexual que desde el 2010 se celebra cada 04 de septiembre.
Primero, nadie le pidió a LCD Soundsystem que se fuera. Y después, nadie le pidió que volviera, pero lo hizo y salió airoso. Wolf Alice navegó tranquilamente entre el punk y el pop, sin problema de identidad alguno en Visions of a life, su segundo álbum.
La muerte ha estado con nosotros desde siempre. Sin embargo, en el acontecer actual lo ha estado cotidiana, colectiva y mundialmente, al mismo tiempo. El año 2020 no se olvidará y no hay que dejar que eso suceda. Ya sabemos lo que sienten en los westerns quienes ven a quienes los han salvado enfilar sus caballos hacia el horizonte.
El nombre de una persona dicho por otra siempre será diferente. ¿Por qué? Porque lo pronunciará de manera distinta, se percibirá de manera distinta, se imaginará de manera distinta y se utilizará de manera distinta. Todo ello constituirá su poética.
Aclaración pertinente: El texto que presento a continuación lo escribí y publiqué en el año 2006, una década antes de que el deseo manifestado ahí se hiciera realidad. Por lo tanto, es menester tomar en cuenta lo anterior a la hora de su lectura: “Señores de la Real Academia Sueca: A través de la presente me permito solicitarles la concesión del Premio Nobel de Literatura para el escritor Bob Dylan.
En el 2015, Courtney Barnett buscó su inherente razón de ser en lo aprendido por y de la propia genética del género. Dentro de la misma Unión Americana hubo ejemplos serios de planteamientos musicales con vocación social. Uno de ellos fue el de Kendrick Lamar.
Hay un libro que se anticipó a su tiempo por varias décadas: Bringing Jazz! Fue escrito por Maxwell Bodenheim quien ya publicaba poemas jazzísticos desde varios años antes de que el boom por el género explotara en 1922.
Programa: 73 Fecha: 23-07-2021 Alex, Cris y Nat platican con Enrique Gómez, director de la plataforma digital Revista Todes sobre el papel de la comunidad LGBT+ en los medios de comunicación y cómo se abordan las temáticas de la comunidad en éstos.
En 1988 el grupo The Chieftains se presentó regularmente en conciertos con Van Morrison y lanzaron el disco A Celebration para conmemorar su aniversario número 25. Después, a mediados de los noventa, con la adición de Kevin Conneff (en el bohran), continuaron celebrándose y sacaron a la luz The Long Black Veil, en el que varios artistas británicos los acompañaron.
Al comenzar el bienio 2013-2014, la Tedeschi Trucks Band fue el artefacto cultural en el que viajaron estos evangelistas del rock. Y lo hicieron al inicio de esta segunda década del siglo. Made up Mind, reveló track a track, su fuerte alianza musical con el rock sureño.
La siguiente crónica trata acerca de la casa que fue del poeta Ramón López Velarde en la Ciudad de México; del tiempo que pasó entre su deceso y la restauración del edificio para instalar ahí su museo. De la degradación paulatina que sufrió el inmueble antes de ser consagrado a la inmortalidad.
Programa: 69 Fecha: 25-06-2021 Alex, Cris y Nat se unen a "La Primera Marcha Radiofónica #LGBTTTIQ+" en conjunto con Altavoz Radio Conoceremos los testimonios de personajes de la diversidad, como #Iker quien nos platicará de cómo hizo efectivo su derecho a la identidad; y también toma el #Altavoz Johnny Carmona, el hombre de la barba azul, que es un referente de las diversidades LGBT en los medios de comunicación. Charlaremos también con Tania Morales, fundadora de la Asociación por las Infancias Transgénero, iniciativa sin fines de lucro, que promueve el cuidado integral de infancias y juventudes.
La garageras niponas renegaron de las militancias restringentes y predicaron con el ejemplo el individualismo de su conciencia social. En el garage –sesentero, revival, punk o post, alternativo, etc., de las décadas de fin de siglo-- las mujeres dejaron de ser en las canciones los objetos complacientes, para convertirse en voceras que exigen lo suyo. Sea cual fuera su tendencia, todas ellas constituyen parte de la música de nuestro tiempo compartido mundialmente.
En la década de los cincuenta la sociedad japonesa produjo un increíble desarrollo económico y convirtió a Japón en una sociedad de masas, consumo y tecnología. E igualmente descubrieron, lo mismo que el resto del mundo, que existía la adolescencia y que ésta quería sus propias formas de vida, sus propios valores y por ende su propia música. Exigían su particular modernidad.
En un hotel de Minneapolis nacía Bob Dylan a los 20 años, mientras jadeaba "Hard Times in New York", su primera canción "oficial", y se involucraba con el folk y el blues, con los dos. Ahí, en esa primera Bootleg Series, se escucha todo eso mientras toca la guitarra acústica o el piano o con acompañamiento escaso.
En el conglomerado de prácticas sonoras que en el bienio 2011-2012 se hizo llamar indie, existía una música que no encontraba acomodo más que en los intersticios entre géneros. Poco afecta a la luminosidad de los reflectores y a la masividad. Prefería la intimidad y echaba mano de la mezcla de raíces para expresarse.
Dylan Thomas nació en Swansea, Gales, el 27 de octubre de 1914 y, exactamente una década anterior a la primera visita de los Beatles a los Estados Unidos con todos sus gritos, manifestaciones fanáticas y demás furores, como poeta realizaba ya remunerativas giras a ambos lados del Atlántico y “gozaba en el mundo anglosajón de una fama propia de estrella de la música”.
La escucha de discos y la radio en la casa de Ámsterdam, que le había asignado el municipio a la familia Van Halen, en aquella calle Michelanglostraat en la que nació Eddie, era una constante. Su padre, músico, los ponía de diversos géneros, destacando el jazz y ese nuevo género llamado rock and roll.
Justo a mediados de la década de los sesenta Albert Grossman, representante de Bob Dylan, contactó con el director cinematográfico D. A. Pennebaker por primera vez para que hiciera un documental sobre el músico aprovechando la gira de presentación del disco Bringing It All Back Home.
Entre el 2009 y el 2010, Justin Townes Earle, hijo de Steve Earle, continuaba en la senda musical de la dark americana que le marcó su padre. Un gran ejemplo del indie de aquellos años fue el álbum Veckatimest del grupo Grizzly Bear.
El Pop Barroco es una gran herramienta para formar oyentes con oídos abiertos a cualquier experiencia.
Los seres humanos nacemos sin un manual de instrucciones para funcionar, pero el arte, y sobre todo la música, son una opción para conseguirlo. En eso se ha convertido la discografía de Eels. Su más reciente obra, The Deconstruction, posee todos los elementos para ser una guía ejemplar. ¿Cómo convertirla en tal cuando, finalmente, no es más que un álbum de rock?, diría un filósofo ortodoxo.
Programa: 59 Fecha: 16-04-2021 ¿A qué se enfrentan las personas de la Comunidad LGBT+ con discapacidad? Nuestra invitada, Maribel Ortega Álvarez, presidenta de AVE de México, nos hablará de ello
Sería difícil imaginar la existencia del clima cultural que envolvió a Bob Dylan a principios de los sesenta sin el impulso que partió de Allen Ginsberg y de la generación beat en general. Éste, además, introdujo al joven poeta Dylan en la lectura de Rimbaud, Lorca, Apollinaire, Blake y Whitman, de manera profunda y sistemática.
Programa: 58 Fecha: 09-04-2021 Hoy hay fiesta en el departamento, Alex y Cris tendrán un par de invitades especiales ¿Estará Nat en el festejo?
Un adagio es la imagen del futuro en el horizonte, con todo lo que representa como metáfora. Ésta siempre irá acompañada de música en la imaginación, de la música que a cada uno le provoque esa fantasía. Un adagio es un término musical que tiene varias acepciones.
La literatura contemporánea ha encontrado excelentes escritores para incorporar el sonido, la profundidad y el testimonio del rock a sus páginas. La Gran Bretaña se ha significado en ello de manera sobresaliente con plumas como las de Ian McEwan, Nick Hornby o Hanuf Kureishi, por mencionar unos cuantos.
El punk nació en el club CBGB’s, y de ahí tomó vuelo hacia el futuro. Este lugar se convertiría en la plataforma del punk neoyorquino (ése que daba más importancia a la música que a otra cosa, a la música como factor de todo y curación de todo). Quienes se presentaban en dicho club querían hacer una música que no fuera progresiva; devolver la energía al rock; salvarlo sometiéndolo de nueva cuenta a la única ley que vale: el retorno hacia el origen.
Ella creció escuchando standards. Y ahora, cuando tiene que elegir un tema para cantarlo, escoge exactamente el que le gusta. El que le dé más libertad para hacer su canción.
La canción “Like a Rolling Stone” resultó un cataclismo, produjo polémica entre los puristas. Se creó en los oyentes un sobrecogedor sentido de la inmediatez, tensando la fibra y el nervio con un irónico sentido férrico y literario: “Había una vez...” (Once upon a time...). La protesta y la propuesta.
A fines de enero del 2005 en el desierto del Sahara se registró una sorprendente ola de frío. A unos 800 kilómetros al sur de Argel una densa capa de nieve cubrió el suelo. La última vez que esto pasó fue en 1979. La Tierra mandaba avisos.
Con ocasión de sus veinte años de existencia de Alligator Records, la disquera de Bruce Iglauer, sacó la antología Best of the Blues. Un compilado para coleccionistas. Como cualquiera sabe, una cosa así no sucede todos los días, y tampoco es común reunir a tal selección de artistas en la misma casa.
Bob Dylan es un clásico contemporáneo. Un autor necesita pasar por las manos de varias generaciones para alcanzar tal condición. Es alguien cuyas obras se han convertido en referencias perdurables y a las cuales se revisita una y otra vez para realizar nuevas lecturas sobre ellas.
Real Gone fue, desde el momento de su aparición, un hito entre los discos aparecidos en el primer lustro del siglo XXI. Tal grabación se debió aprender a escuchar por su naturaleza oscura, la garantía del carácter lowlife y el aroma del blues astroso. Música de un hombre (Tom Waits) que no se anda con rodeos y que del mundo conoce en profundidad el crujido de sus vísceras.
La pandemia global del Coronavirus arrasó con cientos de miles de personas en el año 2020. Dentro del rock, hubo casos y otros no precisamente por tal epidemia. Como sea, La Parca nos vino a recordar, por si hacía falta, la fragilidad del cuerpo (lo extraordinario es que siga funcionando a pesar de cómo lo tratamos, de las miles de causas que pueden acabar con él, además de las enfermedades y virus letales, conocidos o no) y la relación imperecedera de la vida con la muerte.
Bob Dylan como artista comenzó a madurar, a crecer, desde el inicio. Los cambios entre su primer álbum y los siguientes fueron manifiestos. Del material rústico pasó a la interpretación de poemas personales, a las profecías.
El rock ha sido el movimiento artístico más revolucionario, con implicaciones sociales en todos los ámbitos. A través de su historia ha derivado en el gran transformador y sacudidor de la conciencia social.
El álbum más interesante del año 2020 quizá sea Myopia, de la compositora, pianista y cantante Agnes Obel. Sublime ejemplo de lo que en esta época significa el avant-garde. Éste es ese subgénero que reúne las obras, los talentos y capacidades más exquisitas y sofisticadas de los hacedores musicales.
Programa: 44 Fecha: 01-01-2021 ¡Le damos la Bien-venida al 2021! y recordamos una parte de lo mejor de nuestros temas y valiosos invitades mientras comeremos el recalentado, nos encanta…
¿Cuál es la importancia de T. S. Eliot, para el rock? De manera muy sintética, en extremo, la respuesta estaría en tres palabras: The Waste Land (La tierra baldía). Para llegar a esta topografía, el autor tuvo que recorrer con el lenguaje un largo camino de siembra (del entorno) y deforestación (de sí mismo) y concluir en tal paraje frente a la penuria humana.
Piezas como “Silent Night” “First Noel” o “Little Town of Bethlehem” se pueden escuchar en infinidad de versiones. Sin embargo, el estilo y la personalidad que les imprime a ellos Annie Lennox, la legendaria y comprometida cantante escocesa, es cosa excepcional.
Programa: 42 Fecha: 18-12-2020 En está época de fiesta se nos antojo hacer un programa de disfrute y protesta con música para gozar en casa con la música de la reina del regueton lésbico y feminista Chocolate Remix desde Argentina
Finalmente, y tras muchos rumores sobre su salud entrado el siglo XXI, el Captain Beefheart murió, junto a su alter ego: Don van Vliet, el 17 de diciembre del 2010 en Trinidad, California. Estaba a punto de cumplir los 70 años de edad. En esta emisión conmemoramos tan infausta circunstancia acontecida hace una década.
Un género epistolar que tuvo gran importancia en el ayer pero que actualmente ya ha agonizado: la tarjeta postal, de la cual se podría decir que la matamos entre todos y ella sola se murió. Lamentable. Porque significa la extinción de parte de la memoria colectiva y emocional de todo un siglo.
A fines de los años ochenta Peter Gabriel sintió que podía aprender mucho con respecto a las respuestas psicológicas y fisiológicas del sonido, el ritmo y la música de muchas de las regiones del mundo más excéntricas. Todo ello se manifestó en sus obras Passion y Us, ambos álbumes grabados bajo el sello y estudio Real World, que resultaron de aquella comprensión
Wim Mertens es el ejemplo más característico de la Nueva Música europea. Nacido en un país como Bélgica (el 14 de mayo de 1953, en Neelpelt) --cruce de muchas influencias culturales, y punto central geográfico en donde muchas instituciones de índole política y económica se han asentado-- este músico es en la actualidad uno de los más importantes de la vanguardia no sólo musical sino también teórica.
Transmisión 20/11/2020: Esta mañana en “Voces y cantos de la tierra viva”: “Son para Milo 2020”. Escuchamos a Rodrigo Rojas Aragón, hermano de Hermilo Rojas Aragón "Milo" y coordinador general de "Son Para Milo". Él nos platica quién era Milo, cómo surgió este encuentro de música tradicional y los pormenores del “Son para Milo 2020”. En la música escuchamos “El buscapiés” interpretado por el grupo “Ariles”, "Mi huastequita" en la versión de "Los pregoneritos de Hidalgo" y “El vapor chileno” interpretada por el grupo “Yolotecuani”. Las tres piezas forman parte del primer volumen del disco “Son para Milo” editado por Discos Mariposa.
Hoy, suele considerarse a The Last Poets como los abuelos del arte verbal del rap. Y aunque Jalaludin Mansur Nuriddin (Jalal) estuvo consciente de que habían ejercido influencia ("Pusimos el hip en el hop"), no quiso que se les tomara como una subdivisión de dicha cultura.
Kraftwerk ha hecho evolucionar desde su primer trabajo el concepto de la música en simbiosis con la cibernética. Y todo para nuestro exclusivo placer. El grupo durante los 50 años que lleva trabajando se ha entregado a su pasión preferida: además de crear máquinas, ha profundizado en busca también del alma de éstas para potenciar sus emociones y sentimientos.
En el 2016 el grupo Vampire Weekend comunicó que uno de sus integrantes, Rostam Batmanglij, lo abandonaría para hacerse solista. Obviamente, los fans temieron lo peor: la disolución completa. El concepto estético del grupo se había apoyado en los propios de Batmanglij.
El personaje que se ha creado James Hetfield con Metallica cruza en esta canción compuesta por él a otra escena, como si de un vacío existencial se tratara. El famoso monólogo que sostiene el protagonista, a través de ella, está resuelto a base del ruido y la furia contenidos por la suavidad de las cuerdas; y cuya voz varía de color y caudal conforme se evidencia la emoción, en una electrizante anagnórisis.
Todo mundo se preguntó quién era esa mujer tan intensa y desacostumbrada y así surgió la información: se llamaba Janis Joplin, era una vocalista que vivía lo que cantaba; una estudiosa que hacía esfuerzos por poner al día la tradición de la bluesera clásica, tan olvidada, con Bessie Smith como materia prima de la cual abrevar; era una mujer liberada que le entraba fuerte al alcohol y a la pasión amorosa, dándole con ello un matiz propio a la era psicodélica, una cultura consumidora de ácido.
En el rock las evocaciones de su labor han aparecido en algunas obras maestras del género, así como en álbumes destacados y señalados por los estudiosos como un paradigma estético para el género.
En lo musical con el twist la euforia se desató y los dueños de las compañías disqueras lanzaron canciones y artistas, consagrados o noveles, con ese ritmo que se convirtió en número uno en los Estados Unidos en enero de 1962. Europa se sumó al fenómeno y también se dejó llevar por la moda del Twist. Países como Italia, Francia, Gran Bretaña e, incluso, la mojigata España se llenaron de fiestas con tocadiscos a todo volumen.
Hank Ballard escribió el tema “The Twist” después de ver a algunas personas retorcer las caderas mientras bailaban. Lo había visto hacer mientras visitaba a un amigo seguidor de las tradiciones ancestrales africanas.
Uzeda es un grupo con un sonido propio, poseedor de la alternatividad más pesada y dark en un muestrario de concreto nihilismo, propio de la nueva cultura postindustrial. A esta evolución musical se debió la causa directa el enorme crecimiento experimentado por este grupo originario de Catania, Sicilia (donde se fundó en 1987).
Programa: 28 Fecha: 09-11-2020 Husmeando en el ropero de Alex me encontré con una chamarra bordada llena de historia y colores que compró en su viaje por Oaxaca y como estamos en el mes patrio decidimos hablar sobre esto en el programa de hoy y quién mejor que un orgullo de Villa de Etla Lady tacos de canasta para platicar sobre su vida y luchas con música de La Bruja De Texcoco Van a escuchar también a nuestro amigo David Kelvin Santos con datos súper relevantes sobre 'la muxeidad'
En los años sesenta, muchos jóvenes aficionados blancos al blues empezaron a coleccionar las obras de los maestros del country blues primigenio. Entre ellos estaba un muchacho apasionado, tímido, barroso y con lentes gruesos, que desde hacía algún tiempo ya tocaba la guitarra, y el cual se sentía solo e incomprendido en un mundo donde un purista del blues, como él, era obsoleto.
Para la efeméride que corresponde a estas fechas (los 50 años del lanzamiento de un último álbum, que continuaría con un fenómeno planetario) hay un nombre: Let it Be. La década exacta en la que los Beatles existieron como grupo estuvo regida por ellos. Fueron los gigantes de su momento y la estela de sus actos y su desaparición como grupo, permanece aún entre nosotros.
El rock (a través de sus distintas manifestaciones) nunca ha pretendido sostener una verdadera revolución, aunque en esencia la ha convocado y regularmente exhorta a la insurrección, a lo contestatario, a lo marginal, a ver el reverso de la moneda, a las preguntas desde otro punto de vista. Como todo arte (tanto en lo más conspicuo musicalmente como al ser una cultura viva y en desarrollo), no es más que el reflejo, la expresión de una realidad.
“¡Llámalo música del corazón”, así definió su estilo la cantante estadounidense Sharon Jones ante las cámaras en el documental Miss Sharon Jones!, dirigido por Barbara Kopple. Allí, en el soundtrack del mismo y en sus siete discos, es donde Sharon Jones será siempre recordada. Falleció un año después de tal testimonio, el 18 de noviembre del 2016
Cierta vez incluso se atrevió a acercarse a una señora parada en la banqueta y se frotó contra sus piernas. Era cariñoso por naturaleza y estaba acostumbrado a la reciprocidad. La mujer sorprendida lo contempló y acarició durante unos momentos antes de irse. No podía llevárselo consigo, aunque en lo íntimo lo hubiera preferido a los otros animales que tenía en casa.
Transmisión 31/07/2020: A más de 60 días del asesinato de George Floyd —afroamericano sometido y finalmente asfixiado por un policía blanco— se siguen realizando protestas en distintos puntos de este país. El reciente despliegue de agentes federales por parte del presidente Donald Trump en Portland, Seattle y en otras ciudades ha acrecentado la llama de este movimiento. A su vez, la represión también ha ido en aumento. Escuchamos las reflexiones y música de Diana Gameros, cantante y activista mexicana radicada en California, Estados Unidos, y de Georgina Garibo, voluntaria de la organización Pueblo sin Fronteras. En la música escuchamos "Despierta", "Cómo hacer" y "En Juárez" de Diana Gameros.
Ser o no ser, beber o no beber. Los demonios, lo demoniaco. En Malcolm Lowry podrían llamarse demonios esas inquietudes, innatas y esenciales a todo hombre de genio, que lo separa de sí mismo y lo arrastra hacia lo infinito, hacia lo elemental.
El panorama para la fusión estaba en obras cuando Blues Project apareció en la escena musical. De medirse sólo en términos de las listas oficiales de éxitos, su impacto tal vez parezca insignificante, pero el grupo se integró en la contracultura del rock de una manera por completo diferente: como un ardiente conjunto en vivo que se presentaba en los clubes de Greenwich Village.
La poesía en el cine es una urgencia candente que no se puede expresar de otra forma que en imágenes gloriosas. Quizá ahí sea donde se mejor se pone de manifiesto esta sensación, en la que con la movilidad cambiante, la filmación de detalles, cortes y tomas diversas, convierte al mundo conocido en vistas originales y de una apariencia distinta. Plasmada así es la textura vital de los sueños y un anclaje que nunca ata para detenerse en ellos.
Transmisión 10/07/2020: En México existen cientos de radios comunitarias. Algunas han desaparecido, y otras apenas van naciendo; de algunas se conoce su trabajo, y de otras se sabe muy poco. Hoy en “Voces y cantos de la tierra viva”: “No morirá la flor de la palabra. La importancia de las radios comunitarias" Escuchamos los testimonios de Ricardo Montejano, coordinador de esta serie y promotor de la radiodifusión comunitaria; así como la palabra de algunas radios comunitarias que nos retransmiten. Desde Oaxaca Radio Jenpoj de Tlahuitoltepec y Radio Nanhdiá de Mazatlán Villa de Flores; desde Guerrero, en Sn. Luis Acatlán, Radio Coyote y desde Michoacán, Radio Fogata en Cherán. Asimismo mandaron sus saludos Francisco López Bárcenas y Mardonio Carballo. En la música tuvimos el tema "Mi radio favorita" de Mario Marín.
Rammstein no es un conglomerado de psicópatas, sólo tiene los trastornos normales provenientes de su particular contexto: un país dividido y vuelto a unificar por decretos políticos —con décadas e ideologías polarizadas de por medio y como protagonista más conspicuo—, con el cúmulo de problemáticas sociales y psicológicas que ello conlleva.
Programa: 16 Fecha: 26-06-2020 Alex, Nat y Cris celebrarán el Día del Orgullo LGBT+ un arcoíris lleno de voces que representan la Diversidad Sexual. Tendrán un festejo lleno de música y aderezado con poesía. Y muchos invitades! Invitades: Horacio Franco, flautista, Wenceslao Bruciaga, Brújula Intersexual, Paulina Millan Alvarez, Mario Bustamante, Claudia Ivi Navarro, Ricardo Baruch, Morganna Love, Humberto Alarcón, Citlali Azul, Drama Queers, Yunuhen Rangel Medina y Tito Vasconcelos.
Alguien improvisa con el relato de su vida y el sonido se alarga interminable, desatando cantos o relatos sucesivos y mezclados con otros terrenos, con otros semejantes, sin distancia. Mientras el instante reclama libertad y la dignidad del ser humano. El sonido de tal palabra se escucha porque simplemente viene de dentro e invade no sólo el espacio, el lenguaje, sino también el tiempo. De Toni Morrison son tales logros escriturales.
Rod Stewart, junto con su amigo Ron Wood, llegó a los Faces, integrado por antiguos miembros de The Small Faces. En forma paralela a este compromiso empezó a realizar sus propios proyectos como solista en 1970.
El humor de Julio Torri se aclimató tan perfectamente que perduró en las letras mexicanas gracias a su rara calidad y auténtica sensibilidad para la flaqueza humana, sin agotarse en sí mismo. La suya no es solamente una manera especial de ser concebida la ironía o lo risible.
El año de 1956 por más que la vieja guardia luchara, no tuvo defensas ante el rock and roll. Encabezando el ataque y respaldado por los poderosos recursos de compañía discográfica RCA, estuvo Elvis Presley
Sería decir poco que Boris Vian tan sólo jugaba con las palabras. Entre anglofilia, patafísica y surrealismo tardío, entre jazz y rock, Boris Vian sintetizó un siglo de cultura: existencialismo, bebop, sobresaltos dodecafónicos, rock and roll, ballets posmodernos, el cine francés de la nueva ola, el nouveau roman, teatro, ciencia ficción y la poesía erótica.
Programa: 08 Fecha: 24-04-2020 Cris en esta cuarentena le presenta virtualmente a Claudia Navarro, a Nat y las tres platican y se unen al festejo por el Día de la visibilidad lésbica.
El sistema tirano dice que con la Red podemos estar conectados en todo momento, sin importar el lugar, para estar alertas. Eso es lo que vende tal sistema a través de la tecnología, la ilusión de la omnipresencia. Hacerle creer a las personas, a cada una de ellas, que tiene la habilidad de estar en todos los sitios precisos, en los momentos precisos, dándoles la impresión de poder estar en todas partes y prevenidos contra algo (con la ansiedad constante).
Programa: 07 Fecha: 17-04-2020 El encuentro de Alex con el vecino en el elevador, es el detonante de una charla acerca de la realidad de hoy: El COVID19 ¿Las personas que viven con VIH son más vulnerables al nuevo virus?
Los Byrds tuvieron el acierto de inaugurar una nueva corriente rockera, el folk-rock. Los resultados conseguidos en tal corriente se pueden disfrutar en todos sus discos. Las novedosas armonías vocales y de la distinguidísima guitarra de McGuinn les acarrearon el éxito inmediato. Sus aventuras con la estimulación lisérgica y con la experimentación musical produjeron notables resultados.
Programa: 06 Fecha: 10-04-2020 Los roomies Nat, Cris y Alex, en esta cuarentena nos tienen preparado una bandera arcoíris de notas musicales en este especial de música LGBTTTIQA Cuéntanos, ¿cuál es tu canción LGBTTTIQA favorita?
En las cortes del Renacimiento italiano los nobles rivalizaban por ver quién daba las mejores fiestas, organizaba los espectáculos más impresionantes, mostraba las maravillas más memorables. Da Vinci se mostró verdaderamente ingenioso inventando atracciones para el público y construyendo tramoyas.
De sangre y carne estaba hecha la naturaleza de Marilyn Monroe. Y ella lo sabía: "El sexo forma parte de la naturaleza y yo me llevo de maravilla con la naturaleza", dijo en alguna ocasión. El sexo era público y la sangre privada. Y ésta quedaba impresa en (lo que ahora se ha descubierto) gran cantidad de poemas también escritos por ella y hoy publicados con el título de Fragmentos (en español).
Artista inquieto, tras la muerte de Jim Morrison y de los Doors, Ray Manzarek mostró todo el bagage del que era poseedor.
El blues es como un espíritu que se manifiesta de repente, incluso después de largos periodos de descanso. Y entonces sale a la luz un álbum bluesero, como en el caso de Still Got the Blues (1990). La concepción presentada por el guitarrista Gary Moore en este disco no fue dogmática. Se movió con agilidad por sus diversas tendencias estilísticas.
Como Eddie Cochran era bien parecido la compañía discográfica lo encaminó hacia el cine y apareció en algunas películas. En una de ellas, The Girls Can’t Help It y a pesar de la resistencia de los ejecutivos estrenó su canción “Twenty Flight Rock”, que resultó un éxito.
La sección rítmica jamaicana compuesta por Sly & Robbie, la más arrolladora y productiva del subgénero dub (invitada constante a cientos de grabaciones y como solistas), acudió al llamado de uno de los grandes pioneros escandinavos del electrojazz, y junto a él, Nils Petter Molvaer, unieron esfuerzos en uno de los experimentos más inspiradores y trepidantes de los últimos años, para crear Nordub (título y movimiento: dub nórdico).
Antes de convertirse en uno de los personajes míticos de la cultura underground sesentera, Ken Kesey había publicado One Flew Over the Cokoo’s Nest, que se convirtió en una novela de culto, y fue leída como libro de cabecera en los campus universitarios y en las comunas hippies.
Los Herman’s Hermits a mediados del siglo XX vendieron millones de discos, aparecieron en todos los programas populares de televisión de la Unión Americana, sus rostros y nombre fueron impresos en la portada de toda revista adolescente, y hasta protagonizaron varias películas. Actualmente son parte de los olvidados de la historia.
La sola presencia de la muerte es razón suficiente para apreciar la vida. Y agarrarse a ella con fuerza, porque es lo único que en realidad nos pertenece. Como lo hace un recién nacido desde el mismo momento en que aparece y comienza a luchar por su propia existencia.
Sharon Van Etten ha cambiado, y no sólo de aspecto, sino también en su música, en su manera de componer y en lo que dice. Y aunque desde sus inicios mantuvo el listón de la calidad muy alto, con su reciente producción, Remind Me Tomorrow, da muestras de avance. Si en su sus discos anteriores la guitarra era el instrumento destacado, con la nueva obra se avocó a la tarea de experimentar.
A partir de sus inicios han transitado, hacia y por su lado oscuro, infinidad de historias de la más variada índole a través de todas las épocas del género rockero, con casos notables y muy publicitados por los propios músicos y por los medios
A Tom Petty y su banda (The Heartbreakers) pude seguirle los pasos. Readquirí el álbum perdido, Damn the Torpedoes, conseguí los anteriores a él y me volví su fan y de la corriente que representaba. La música que grupos como el suyo toca es como la gravedad, puede hacer que las personas se acerquen a ella sin otro fin que la empatía.
Hoy en día la tecnología juega sus cartas en todos los géneros y la infinidad de mezclas y derivaciones provenientes de ellos. El productor, travestido en DJ o a la inversa, se ha convertido en un elemento influyente para escuchar nuevas músicas y moldear gustos y modos.
Una de las dicotomías más recurrentes en el mundo (tanto en el pasado como en el actual y más que probablemente, en el del futuro) es la que existe entre las personas para las que el tiempo pasa rápido, y siempre se quejan por la falta de él (como el Conejo Blanco de Alicia en el País de las Maravillas); y para las que, a la inversa, transcurre lento, lento, como si estuvieran esperando a Godot.
La obra literaria de Aldous Huxley fue inmensa y variada. Escribió cuentos, libros de viajes, tratados filosóficos, guiones para cine y narrativa. Numerosos libros que revelan una vasta cultura y gran curiosidad intelectual. En sus comienzos poéticos influyeron los simbolistas franceses (Rimbaud, Baudelaire y Lautréamont).
El sabor dulce de los temas navideños que presenta el disco Christmas Party es el que da forma explícita a la ambivalencia del sentimiento decembrino (a tal punto que está presente en todas las piezas que se versionan), y lo exponen, por supuesto, con la solvencia y agudeza que caracterizan al dúo integrado por Zooey Deschanel y Matthew M. Ward, que en este año cumplen más de una década de haber formado She & Him
El primer disco sencillo (45 rpm) del grupo de rock instrumental The Champs apareció el 26 de diciembre de 1957. Se tituló “Train to Nowhere”, pero no pegó. Sin embargo, los DJ’s de la radio comenzaron a tocar el lado “B” del mismo, reiteradamente. El tema se llamaba “Tequila!”. Su éxito fue inmediato y llegaron al primer lugar de las listas de popularidad el 17 de marzo de 1958 (hace más de sesenta años).
Entre las muchas influencias que dejó la escuela Bauhaus para el futuro cultural del mundo, estuvo el de fungir como incentivo, inspiración y detonante estético, para la creación de las portadas de discos para diversos géneros de la música: la clásica, el jazz y el rock. Un arte que ha recibido el reconocimiento como tal y que lleva más de medio siglo propiciando el placer sensual, colectivo e individual, pero no sólo.
Transmisión 29/11/2019: Hoy en Voces y cantos de la tierra viva hicimos dos pequeños homenajes: Uno al cantautor Álvaro Carrillo, originario de la Costa Chica de Guerrero y quien el próximo 2 de diciembre cumpliría 100 años y a la par a los pueblos afro descendientes de esa región. Escuchamos fragmentos de la entrevista realizada por Ricardo Montejano a Jaime López Jiménez, cronista del municipio de Ometepec, Guerrero y biógrafo de Álvaro Carrillo. Además, acompañamos este programa con las interpretaciones de Itzel Escobar, grabadas en el Estudio A de Radio Educación por este equipo de producción. Entre los temas tuvimos “Amor mío”, "Pinotepa”, "Luz de luna" y en voz de Álvaro Carrillo “Sabor a mí”.
Más allá del extraordinario estilo literario de A Clockwork Orange, más allá de la interesante utilización de un lenguaje inventado como el Nadsat, y de la sucesión de escenas de feroz violencia, el eje de la novela de Anthony Burgess se sustenta en que una sociedad que se desentiende del dilema ético y, por puras razones utilitarias, condiciona a las personas para que sigan determinada conducta.
Londres, a mediados de los sesenta, tenía a los Yardbirds, a los Rolling Stones, a Fleetwood Mac y a Savoy Brown, Nottingham a Ten Years After, Manchester a los Hollies, etcétera. El nordeste de Inglaterra, Newcastle, para ser más preciso, aportó a un grupo de jóvenes obreros duros y rijosos que vociferaban el blues igualmente fuerte: The Animals.
En 1976 Wolf Biermann recibió el permiso de salida de la RDA para realizar una gira de conciertos en la Alemania Occidental. Después de su primera presentación la RDA le retiró la ciudadanía y le comunicó su expulsión del país. La acción desencadenó una ola de solidaridad con el poeta en ambas Alemanias.
Para reconocer los componentes que hicieron de la Neue Deutsche Welle un fenómeno musical surgido en Alemania, que duró una década y dejó descendencia, en primera instancia hay que hablar de la estética, una con la cual los grupos y artistas germanos de tal corriente (lo mismo underground que mainstream) estaban identificados en común, por sobre su definición sonora.
Con su espíritu clarividente, cosmovisión definida y desde sus distintos lugares de residencia, William Burroughs siempre ejerció como Sumo Augur —una práctica que a base de lucha les ha reservado la prerrogativa del Apocalipsis a los escritores desde tiempos inmemoriales--.
Transmisión 25/10/2019: Siguiendo la línea de la Primavera Latinoamericana, en este episodio de Voces y cantos de la tierra viva, escuchamos los testimonios directos de algunos chilenos. "No son 30 pesos, son 45 años", "No son 30 pesos, son 500 años" corrigieron los invitados y detallaron algunos aspectos de la lucha que está llevando el pueblo del país conosureño contra las políticas neoliberales. Escuchamos las voces de Brian Smith y Cristian Aravena, estudiantes chilenos que ahora cursan su doctorado en Historia del Arte en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), a la estudiante Inés Jiménez, quien vivió varios años en Chile. Además, por medio de un enlace telefónico, tuvimos el testimonio de Tania Sandoval, trabajadora social, radialista desde el 2009 en distintas radios comunitarias de Chile. También es parte de la Red de Medios de los Pueblos de Chile y de la Red de Mujeres Radialistas Feministas y Lesbofeministas. Actualmente colabora en Radio Placeres, en Valparaíso. En la música escuchamos “Millones ” de Camila Moreno, pieza que ha estado acompañando la revuelta del pueblo chileno.
La aparición del disco Grace, de Jeff Buckley, fue la certeza de un encuentro fugaz con un émulo prometéico. Tal instante ocupó un sitio quebradizo en la cultura musical del rock. De “Mojo Pin” a “Dream Brother”, los diez temas que componen el álbum, se encuentran entre lo más selecto del subgénero indie y desde su aparición los músicos no han dejado de mencionarlo como una de sus grandes inspiraciones.
Se analizó la renuncia de Eduardo Medina Mora como ministro de la SCJN, así como sus consecuencias en la conformación de la Suprema Corte de Justicia de la Nación,de qué manera cambiaran los contrapesos del poder judicial y el papel de la Corte en la consolidación de la democracia.
En lo lírico fue donde más se destacaron los Buzzcocks, incorporando a su repertorio una temática de lo más alejada de las vías del género punk, gracias a la pluma de Pete Shelley: cuestiones amorosas, de identidad sexual o de clase social.
Hacer la versión de un tema clásico es un reto para el cantante que se atreva. Volver a contar el reencuentro de una pareja que ha mantenido una relación tormentosa de amor, interrumpida, cortada, reanudada e inmadura como todas las historias de amor, necesita de algo más que la intención o la voluntad.
En 1955, Allen Ginsberg leyó un texto sobre el cual había trabajado durante algunos años: Howl (Aullido). Cantó sus versos, los gimió, y la parte final de su lectura bordeó el llanto. Esta performance causó una emotiva reacción en el público. Ginsberg comprendió entonces que liberando su personalidad sobre el escenario se podía conmover a otras personas.
Sin ser propensos al autoengaño, los poetas del periodo moderno fueron individuos desencantados por el contexto histórico en el que les tocó vivir. La desilusión que sucedió a la desaparición gradual de imperios como el británico o el austro-húngaro y el devenir horrorífico de la Primera Guerra Mundial, se aunó a la desconfianza en los criterios que habían guiado a la Ilustración francesa y despertó un gran interés por lo oscuro.
Algunas canciones llegan a nuestras vidas para que descubramos, experimentemos y comprendamos lo que allí se nos cuenta y otras parecen inspiradas en nuestro propio acontecer desmenuzado --un conocimiento misterioso llegado por vericuetos mágicos, seguramente--. Al final, ambas formas parecen creadas y cantadas para cada uno de nosotros.
Casi en secreto. Así falleció Dickie Peterson el 12 de octubre de 2009 en Alemania, a la edad de sesenta y un años. Su muerte pasó prácticamente inadvertida para medios y público en general. Sin embargo, Peterson había sido el líder, cantante y bajista del grupo Blue Cheer, una agrupación que en 1968 sintetizó sonoridades y fue pionera de un nuevo concepto: el heavy metal.
La anécdota autobiográfica de Sheltering Sky trata en realidad de las vidas paralelas, distantes y difíciles del propio matrimonio Bowles, Jane y Paul, una pareja elegante y exitosa (Jane ya había publicado Two Serious Ladies --Dos damas muy serias) que vivió en una era en la que la literatura también era una aventura y quienes buscaron la libertad total en nuevos escenarios.
Las entregas sucesivas de la serie The Rebirth of Cool sirvieron de escaparate al desarrollo de las formas musicales modernas de finales del siglo XX (y para preludiar lo que el XXI desembocaría en el e-jazz) desde el new soul, el acid jazz y el triphop al hip hop, el rare groove, el dub, el downtempo y más. La evolución continua de tal serie y su intención fue abarcar a todas ellas sin atorarse en ninguna.
Cincuenta años después el espíritu del festival de Woodstock, se mantiene ahí para seguirnos contando la revolución de actitudes y comportamientos, la forma de ver la vida, que representaron para toda una generación aquellos días destinados a la mitificación; para constatar el vitalismo, la ensoñación, la alegría, la desinhibición, el radical enfrentamiento con lo establecido de gente que pretendió pensar, sentir, y actuar de una forma distinta; para retratar el esplendor de esa nueva cultura y la sensación de que nada volvería a ser como antes.
Contra todo lo previsto, a Woodstock llegaron procedentes de todas partes 500 mil jóvenes, cuyas edades iban de los 16 a los 30 años, atraídos por el rock, el espíritu de aventura y de hermandad generacional.
Transmisión 02/08/2019: A principios de julio pasado falleció Bruno Ríos Ferrer, percusionista de las bandas de música Necedad Orquesta, Selvanegra y Goliat Orquesta. En dos ocasiones vino a grabar con la primera banda al Estudio A de Radio Educación. En ese momento, junto con sus compañeros, inundó el estudio con sonrisas y una muy buena salsa. Hoy, en Voces y cantos de la tierra viva, le rendimos un homenaje con la música de La Necedad Orquesta y una charla con su novia, amigos y compañeros de proyectos. Nos acompañaron Sofía Villanueva, compañera de Bruno, Omar Alonso Cadena y Argel Pineda, integrantes de La Necedad Orquesta; Carlos Canales, contrabajista de jazz y amigo de Bruno. En la música escuchamos temas interpretados por La Necedad Orquesta: "Nací moreno" de Francisco Alvarado, "Bomba carambomba", "Nostalgia" de Enrique Cadícamo y Juan Carlos Cobián y "Dos Jueyes".
Wuthering Heights (Cumbres borrascosas), de Emily Brönte, es una narración realizada con pasión, sabio manejo del lenguaje, agudo trazado de personajes y detalles, y con una gran capacidad persuasiva. Características, además, que la volvieron universal y con vigencia, no obstante el peso histórico de la época que planea sobre toda ella.
Lo underground (como contracultura) se ha practicado dentro del contexto social influido por los deseos de pequeñas comunidades domésticas y/o ajenas coincidentes, pero las decisiones del cómo y del por qué (incluso de su muerte o desaparición) quedan a cargo, por lo general, de los individuos, de cada uno de los exponentes con sus expresiones artísticas particulares.
John Coltrane entró al estudio el 6 de marzo de 1963 para hacer una sesión con el cuarteto (engrasado y en estado de gracia) compuesto por McCoyTyner en el piano, Jimmy Garrison en el bajo y Elvin Jones en la batería. Al siguiente día de aquello fueron a grabar con Johnny Hartman.
Superorganism pasa de la abstracción de una idea a la materialización de una forma, producto de su formación tecnologizada, pero con criterio, capacidad de análisis y responsabilidad con lo que iban a crear: pop-art. Realizaron un gran ejercicio de autogestión y de autocrítica y generaron entonces su oportunidad, la de formar parte de aquellos artistas que, al presentarnos obras concretas, proporcionan igualmente herramientas para escuchar parte de la actualidad en la que vivimos.
La librería Shakespeare & Company, de obligada visita para cualquiera involucrado con la cultura, instalada en el número 37 de la rue de Bûcherie, cerca de la plaza de Saint Michel, frente al río Sena y muy cerca de Notre Dame, tomó para sí los conceptos de Sylvia Beach y ahora es quizá la librería más famosa en el mundo, ejerciendo su labor de gran leyenda desde esa pequeña placita de la Ciudad Luz, por la que revolotean cientos de visitantes cada día.
El rock desde la concientización de sí mismo como género ha respetado sus raíces y cualquiera de sus auténticos seguidores sabe que, una y otra vez, hay que hacer una inmersión en ellas y sumergirse también en su rica hemeroteca. En ésta se puede llegar hasta los versos de John Donne, por ejemplo, para descubrir el espíritu del género.
Gene Simmons, el bajista y punto focal del grupo, fue quien perfeccionó el concepto del Kiss exitoso. Es el cerebro financiero y el director comercial del grupo. Cuida en persona que al finalizar cada gira mundial se puedan embolsar decenas de millones de dólares, por presentaciones y por la venta de parafernalia.
En los terrenos musicales del jazz y del rock, se tiene a Moby Dick como uno de sus libros canónicos. El jazz adquirió su Premio Nobel literario a través de la escritora Toni Morrison, quien mencionó entre sus influencias la obra de Melville, mientras que el rock llegó al suyo mediante otra forma literaria, la de la canción.
Transmisión 24/05/2019: La sororidad, la denuncia, el coraje, la alegría y la liberación inundaron hoy la cabina por medio de la voz, canto y poesía de Rosalba Cruz, Cynthia Cárdenas y nuestra locutora Marcela Salas Cassani, quienes forman parte del joven y creativo proyecto "Poesía de mujeres poesía". Con el cual reviven y resignifican la lírica de poetizas latinoamericanas musicalizada por el grupo Aura Blues Band. Escuchamos un fragmento de la antología grabada por nuestro equipo de producción: "El Espejo" de Rosario Castellanos en voz de Rosalba Cruz, "Yo misma fui mi ruta" de Julia de Burgos, interpretado por Cynthia Cárdenas, "Desde la insignificancia" de Patricia Karina Vergara Sánchez con la voz de Camila Navarro y "No tengo" de Paola Gutiérrez.
Cotidianamente al caer la noche los Fabulosos Hermanos Baker (como reza su propio cartel publicitario), sentados ante un par de pianos de cola y vestidos según la escenografía del bar del hotel en turno, interpretan por enésima vez más la pieza "Feelings" y todo ese cúmulo de melodías standards del lounge, que viven entre la emoción ramplona y el cliché más cursi.
Cuando Sonny Rollins y Coleman Hawkins, “Hawk”, se conocieron, el sax de Rollins derrochó emoción, el de Hawkins: vida, la que le quedaba.
¿Qué han podido rescatar los fans de Jimi Hendrix en esos “nuevos” discos, a partir de la reconstrucción post mortem? Sonoridad y contexto.
En la sonoridad creada por los rockeros que acompaña a las profundidades del espíritu, también se pasma éste por la presencia de la muerte.
Los poemas de Boris Vian, sus cuentos de humor oscuro como el Lobo-Hombre, han sido el combustible para muchos grupos alrededor del mundo.
El programa BABEL XXI ha dado a conocer el hipermodernismo sonoro desde el año 2011 y se ha convertido en la alternativa radiofónica.
Transmisión 05/04/2019: Nuevos cantos y talentos musicales visitaron el Estudio "A" de Radio Educación: Carmen Ruiz y algunos de sus amigos hicieron originales interpretaciones de cantautores lationamericanos y hoy, en Voces y cantos de la tierra viva, ella vino a platicarnos de su trayectoria y lo que la ha inspirado a hacer este proyecto. Musicalizamos el programa con algunas de las piezas grabadas por nuestro equipo de producción y una del próximo disco de Carmen: "Blanquinegro".
Celebra el mundo el 50º aniversario del Bed-in más famoso en la historia, aquel acto dadaísta que consagró la cama como sitio de protesta.
Todo libro convertido en obra de arte, por su forma de ver o mostrar las cosas, produce antagonismos, ésta en su razón de ser. Lolita lo es.
El grupo multicultural The Gutenberg’s Dream es una especie de mesa redonda musical integrada por caballeros heraldos de libros y librerías.
Hasta el fin del mundo sabremos qué lugar en la historia le corresponderá a esta película. Por su banda sonora estará entre las primeras.
El acercamiento al concepto del Rubáiyát persa (el gozo por la vida y la tolerancia) es lo que buscó plasmar la compilación de Elektra.
Berlin Alexanderplatz es una metáfora histórica, una fábula citadina con toda su fauna miserable, una gran novela urbana a fin de cuentas.
Transmisión 22/02/2019: En el programa de hoy abordamos tres temas: la Décima Feria del Libro en Lenguas Maternas de Xoxocotla, Morelos, de la cual nos platicó, por medio de un enlace telefónico, Marco Tafolla, fundador de la misma. Además mencionamos la noticia de la reciente libertad de tres presos políticos de Tlanixco, entre ellos Dominga Martínez. Finalmente, presentamos una cápsula con grabaciones hechas por el mismo equipo de producción, sobre el sepelio de Samir Flores, luchador social de Amilcingo que fue asesinado el pasado 20 de febrero y quien tenía una activa participación contra el Proyecto Integral Morelos. En la música escuchamos algunos temas náhuatl de Marco Tafolla y Alma Benítez.
Cantantes adolescentes (à la France Gall), con minifaldas y botas de colores, revolucionaron la escena musical y a la sociedad de su tiempo.
Courtney Barnett interpreta un rock rebosante de carácter, de actitud, que ubica sus cimientes en la médula poética del rock primigenio.
La verdad neopsicodélica del aglomerado experimental denominado Psychic TV: las mentes expandidas sueñan mucho más en serio que las demás.
John Dos Passos siempre expresó su fascinación por el marginado en su obra, se convirtió en el muralista de la desilusión estadounidense
Superman se convirtió al poco tiempo de aparecer en un fenómeno exitoso, en el germen de un nuevo e ilimitado género: el de los superhéroes.
La muerte del científico Stephen Hawking fue una gran pérdida para la humanidad. Suena a lugar común, pero en este caso es una verdad neta.
Desde su fundación Nueva Orleáns fue importante en la evolución de la música: ragtime, blues, dixieland, jazz, rhythm & blues, rock, soul…
Transmisión 28/12/2018: Humberto Ak´abal es un poeta maya K´iche´ que se formó a partir del canto y el cuento, con la enseñanza de sus abuelos y padres en Momostenango Guatemala. Para finalizar el año hicimos un programa sobre su vida y obra, enriquecido con su poesía y la música de Marimba xojanel keletzu´.
Robert Plant, el gran maestro, ha alcanzado la sabiduría a través de la evolución de su propia música. La obra Carry Fire da cuenta de ello.
Transmisión 21/12/2018: Saúl Morán es un cantautor me´phaá de la montaña de Guerrero, hoy con su voz y su canto nos platicó sobre la relación de su pueblo con la naturaleza y acerca de las ceremonias de petición de lluvia, además de la lucha de los pueblos contra proyectos mineros en esa región.
Artículo que festeja los 200 años de “Silent Night, Holy Night” tema popular que se canta en 300 idiomas y en muchos dialectos en el mundo.
Transmisión 14/12/2018: La poesía también es una herramienta de denuncia y de ella se ha valido el grupo "Poesía de mujeres poesía", integrado por amigas que se dedican a recitar la prosa de mujeres latinoamericanas musicalizada por el grupo Aura Blues Band. Escuchamos algunas de sus obras grabadas por nuestro equipo de producción en el Estudio A de Radio Educación.
Esta emisión celebra los 100 años del nacimiento de J.D. Salinger, quien nos legó un gran libro, acompañada con un soundtrack del siglo XXI.
Es importante mirar los elementos sociales que determinan las formas de entender la tecnología que conduce a la creación del gusto musical.
La escritora Mary Shelley hizo de Frankenstein una fábula universal que puso en el crisol los saberes de su tiempo y los proyectó a futuro.
Con The Gift ha comenzado el tiempo de dotar a la música portuguesa contemporánea de un flamante cuerpo, artístico y de acendrados valores.
Porque hoy, te pregunto: ¿A alguien todavía le importan las cualidades de la Luna, toda la imagen y poesía que ha creado desde el principio?
Muscle Shoals es un lugar sagrado, de peregrinaje. Un tabernáculo, con río, donde hombres o mujeres señalados se transforman en artistas.
John Updike: el prolífico escritor que se disfrazó de mago y con su elegante chistera se afanó en hacer gran arte del acto de sacar conejos.
Ordo Equitum Solis hace hincapié en el dark wave esotérico con marcada influencia medieval, para enfatizar una lírica emocional y romántica.
El discurso sobre el racismo tiñe las diferencias en los Estados Unidos. Al igual que ayer, al igual que siempre. Es un país que no aprende.
Lo que contaron esos comensales, sentados en la misma mesa comunitaria que yo, fue acerca de la misteriosa y lejana historia de un encuentro.
La suya es hoy una imagen sin inquietud, sin ideología, que nada hacia el vacío, con la pátina revolucionaria convertida en mercadotecnia.
La cantante Marta Kubišová participó activamente en la Revolución de Terciopelo, una lucha pacífica en contra de la invasión Soviética.
La música de The Plastic People of The Universe es la evocación de una época que brindó a los checos el futuro promisorio del que hoy gozan.
Intérpretes que harían historia y señalarían el inicio del paso de la mujer al ámbito rockero: Big Mama Thornton, Ruth Brown y LaVern Baker.
El libro de Orwell, 1984, se ha convertido por derecho propio en un hito de la cultura contemporánea y en uno de los textos más mordaces de todos los tiempos. Desde su aparición, y con el auge de los populismos en el mundo, pronto se pueden detectar las simientes del totalitarismo en organizaciones y partidos políticos aparentemente ideales; y en los líderes “carismáticos”, la sombra revelada de opresores manipuladores y obsesivos.
La música de Sam The Sham fue una aportación más del sector chicano a la espectacular sonoridad que movió y conmovió al mundo en 1965.
Con sus animados beats y actitudes refrescantes, Les Têtes Brulées son los destacados representantes de la ola afro del bikutsi francófono.
Samaris es un gran ejemplo musical de la pujante propuesta cultural con la que un país salió de una crisis de aparente imposible solución.
Los remixes le otorgan otra dimensión a los temas. Todos los DJ’s y mezcladores los abordan de maneras distintas. Algunos trabajan con toda la pieza, otros toman sólo ciertas notas y le agregan algunos elementos “vivos” o sampleados. Otros más extraen un acorde, pero lo reproducen con otro tempo y le aportan su feeling personal.
Parecen grupos resucitados, flores de veteranía que vienen de vuelta de todo. Bandas con sabor a buenos tragos y personalidad escénica sin alardes, con suculentas dosis de country, de blues kemosabe, de gusto por la guitarra de botas polvosas y cuotas garageras, con presencia desenfadada y ganas de pasárserla bien. Condiciones éstas para acceder al certificado de autenticidad como divulgadores de la esencia.
El resultado general del primer disco como solista de la islandesa Björk es más que decoroso y al mismo tiempo excepcional. Lo que lo destaca en él es que es sin duda de un registro distinto, poco común. Gling-Gló fue un proyecto fugaz y para muchos ni siquiera constituye parte de la discografía “oficial” de Björk. La verdad es que suena bastante diferente a su sucesor, Debut, y todo el material que vendría después. No obstante, por su rareza y contenido es un disco de colección.
La época de la New wave en la que puede inscribirse el álbum The Honeydrippers Vol 1, tenía entre sus fundamentos una gran carga nostálgica. El rock and roll, el rockabilly, el pub rock, el soul y el jump blues, la parte más intensa de aquellos géneros, era retomada por grupos que no tenían que ver con el punk reciente, pero del que habían aprendido a manifestar sus raíces.
Transmisión 06/07/2018: En el programa de hoy, José María Ahuizotl -miembro de la Comisión de Medios de la Representación General de Bienes Comunales de Milpa Alta y Pueblos Anexos- nos habló sobre las diferencias entre la Democracia Electoral Partidista y la Comunal Asamblearia. Complementamos su análisis con un enlace telefónico en el que Pedro Chávez Querio, miembro del Concejo Mayor en Cherán, platicó sobre la Autonomía de esta comunidad después de 7 años. En la música escuchamos Rock de algunos pueblos originarios de México.
El álbum Strong Currents fue quizá la mejor declaración amorosa del vanguardista Hector Zazou hacia la voz femenina. Para su grabación reunió en torno a sí a gente como Laurie Anderson, Jane Birkin o Lisa Germano, entre otras. Todas mujeres destacadas en sus diferentes campos.
Un par de discípulos de Karlheinz Stockhausen formaron, hacia el fin de los años sesenta del siglo pasado, un grupo precursor de la electrónica dentro del terreno del rock y lo denominaron Can. Nombre y concepto se erigieron quizá en la piedra angular más importante de los prodigiosos siguientes años para el desarrollo de la música (1968-1979).
Transmisión 15/06/2018: Corroncha Son es un dueto de talentosas mujeres: Fania y Jess , que a veces se coordinan con otras artistas para cantar juntas contra el patriarcado y otros temas. En nuestro programa de hoy, Fania nos platicó el sentido de sus letras, sus ritmos y el nombre de su grupo.
No hay problema en darle la vuelta a la isla en coche, si no te importa encontrarte a cada rato “con paisajes de la naturaleza que te cimbran el espíritu, te quitan la respiración y te enfrentan a la vida”. Tras lo cual quedas totalmente exprimido.
Laibach, desde la distancia temporal de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, provoca un acercamiento a la realidad social que vivimos (líquida hasta decir basta), la que bajo la directriz de los distintos gobiernos del mundo usa el más rastrero común denominador en el lenguaje cotidiano para erradicar de significado a los fenómenos sociales que los aquejan.
El año 1968 desde el comienzo tuvo movimiento (de signo tanto como de directriz) en el sentido musical. El rock, la sonoridad popular más importante surgida a mediados del siglo XX, tuvo el deseo y la sapiencia de que el futuro traería innovaciones y discontinuidades.
La vanguardia en el rock fue uno de los grandes estandartes en la música de la década de los sesenta y subsecuentes, y con ella se respaldaba y volvía a confirmar la aseveración visionaria de uno de los filósofos más revisitados en aquella época, el griego Platón, quien había escrito lo siguiente: “El espíritu del cambio se insinúa muy fácilmente por medio de la música, penetra de forma gradual por las costumbres y, reforzado, pasa a la vida privada, luego a las leyes y a la cosmogonía humana en general. Con grandeza debe sonar para transformarlo todo”.
Aquel tiempo se destacó por los intentos para lograr cambios en todos los órdenes de la vida. En el sentido musical los motivos fueron variados y consecuentes y sus circunstancias por demás propicias, por ejemplo: el vuelco completo al conjunto de valores musicales provenientes de épocas anteriores; las impactantes modificaciones sociales y políticas que se perfilaban a nivel global y local...
El músico galo Hector Zazou, artista avant-garde y de la experimentación tanto de la música como del performance y del video, además de partícipe del mayo francés del 68, reflexionó profundamente en uno de sus libros sobre la estética sonora de dicho año.
El profesor británico Tony Judt (Londres, 1948-Nueva York, 2010), el más reconocido historiador del siglo XX a nivel mundial, escribió lo siguiente en su libro Postguerra: “El contenido de la música popular en aquellos años era muy importante, pero su forma contaba aún más. En los sesenta la gente prestaba una atención especial al estilo.
Transmisión 27/04/2018: El sismo del 19 de septiembre de 2017 removió recuerdos de comunalidad en varias regiones afectadas del país. El pueblo de Xoxocotla, en Morelos, es un buen ejemplo de esto.
Miles Davis viajó a París para tocar como solista invitado durante unas semanas. Fue en el curso de este viaje cuando conoció al cineasta francés Louis Malle. Éste le dijo que admiraba su música y que le gustaría que escribiera el soundtrack de su nueva película, Ascensor al Cadalso (o al Infierno, según el programador en español).
La moda Unplugged se inició como una idea de producción "vanguardista", de élite (para continuar como vulgaridad en las siguientes décadas).
Transimisión 13/10/2017: En el marco del 5to. Aniversario del Concejo Regional de Autoridades Agrarias en Defensa del Territorio de la Montaña y la Costa Chica de Guerrero, presentamos un programa dirigido a las luchas por la defensa del territorio y contra la minería. Tuvimos un enlace telefónico con Armando Campos del Centro de Derechos Humanos Tlachinollan y dos cápsulas sobre el mismo tema.
En cierto momento, sentado en aquella barra, a William Bell se le prendió el foco con una idea: “Oye, ¿Y si escribimos una canción con ese tema, el del eterno perdedor que le achaca su mala suerte al hecho de haber nacido bajo el signo equivocado; sobre esas personas de fracasos tan comunes con las cosas de la vida que al final de cuentas desprenden cierta magia.
Después de haber visto esa muestra con “Las Pinturas Negras” sales del Museo del Prado impresionado por lo visto y evocado, por la profundidad y visión de un tipo como aquél, Francisco de Goya. Y te alejas pensando en la importancia para el arte que un cuadro como “Saturno devorando a su hijo” ha llegado a tener, por todas las cuestiones que desata y no sólo plásticas; y en que esas escenas tan inhumanas ahora se repiten por todas partes.
Con la publicación de Mexico City Blues, Jack Kerouac se sentía, según escribió después en la nota introductoria del libro, "un poeta jazzístico que interpretaba un largo blues en una jam session de domingo por la noche".
En julio de 1955, con 25 dólares en el bolsillo—producto de un regalo—, Jack Kerouac volvió a la capital de México. Al número 210 de la calle Orizaba. Ahí encontró una atmósfera alucinada y creativa. Ocupó el pequeño cobertizo de adobe de la azotea y bajaba a hacerle compañía a Bill Garver, un viejo amigo drogadicto de Burroughs.
Transmisión 1/09/2017: Mientras que la minería ha enriquecido a empresarios nacionales y extranjeros, a los pueblos originarios les ha traído devastación, muerte y enfermedad. Ante eso, su respuesta ha sido la organización, la lucha y la reflexión. Para entender este proceso tuvimos el testimino de un comunero de Capulalpam de Méndez, Oaxaca y el del profesor Joel Aquino de Yalalag, quienes nos hablaron, por medio de dos cápsulas y un enlace telefónico, acerca de la vida de los pueblos atravesados por la minería.
Nuestro personaje, un atribulado y veterano rockero, viajó con la memoria hasta aquellos años en que alcanzó el pináculo y estaba a punto de entrar en la mejor etapa artística de su carrera, cuando desarrollaría todas sus capacidades y crearía canciones importantes, junto a sus compañeros de grupo. Otros tiempos.
La pasión que el jazz inspira en Clint Eastwood ha moldeado su vida y obra. No influye sólo en la musicalización de sus películas, sino también en su estilo de dirección. “Todo mundo tiene alguna influencia. Para mí ha sido el jazz”, ha declarado el cineasta.
Es posible que el de LCD Soundsystem haya sido uno de los adioses mejor plasmados hasta ese momento (2011, tras Last Waltz por supuesto), afirmación ratificada por un muy celebrado documental del mismo y un postrer álbum testimonial.
La relación del pintor Piet Mondrian con el entorno hay que buscarla en la fascinación que el artista sintió por los sincopados ritmos del jazz. Efectivamente, sus dos últimos cuadros antes de morir tuvieron referencias directas al género musical: “Boogie-Woogie” y “Victory Boogie-Woogie”.
Transmisión 4/08/2012: La música puede ser un medio de protesta y resistencia social. En torno al movimiento del EZLN se gestaron varios artistas con esta idea. Recientemente esta organización convocó a su segunda edición del "Festival CompArte por la humanidad" (contra el capital y sus muros todas las artes), donde participó Óscar Ojeda, miembro de "La revuelta de las semillas" e invitado de hoy. También nos deleitamos con la voz de Fania Andrés de Son.a.Urbe.
La influencia de Hermann Hesse en la cultura contemporánea es amplia y mantiene su estatus icónico. Demian, Siddhartha, El lobo estepario, por ejemplo, son títulos que han fungido de faro para iluminar adolescencias y juventudes, caminos y objetivos estéticos, así como de estandartes para outsiders y espíritus marginales.
Transmisión 28/07/2017: Los territorios más ricos naturalmente son los más desgraciados. A lo largo de su historia, el pueblo de Tepoztlán Morelos ha sido ambicionado por el capital. Sin embargo ha resistido. Desde hace cinco años se enfrenta a la ampliación de la carretera Pera-Cuautla que implica una devastación a sus tierras. De esto nos hablaron dos comuneros de aquel pueblo: Guillermo Hernández Chapa y Roberto Robles Quiroz.
A comienzos de 1954, Bill Haley dejó el sello Essex por el más importante Decca Records de Nueva York. El 12 de abril, en su primera sesión para su nueva disquera, él y sus Cometas grabaron "Rock Around the Clock". Este tema se trató de su más grande éxito y una de las canciones más importantes de la historia del género. Inicialmente la pieza fue un éxito modesto (incluso antes había sido interpretada por otro grupo).
El poder de convocatoria de Auster era patente. Ya tenía fans como novelista, como poeta, como ensayista, como guionista y director cinematográfico. Las mujeres más hermosas del mundo estaban ahí, aguardándolo.
En el quinteto Buffalo Springfield había tres excelentes guitarristas, vocalistas y autores y un soporte rítmico moldeable, dinámico y preciso. Richie Furay era la voz principal pero las figuras eran Stephen Stills y Neil Young. Desenvueltos en escena, de voces templadas y grandes creadores de canciones.
Por la casa del reverendo Franklin en Detroit, un predicador turbulento, gran orador y seguidor de Luther King, circuló la intelectualidad negra (del arte y la política) para intercambiar ideas. Lo hicieron, además, enriquecidos por la música góspel del coro de la iglesia de dicho reverendo. Ahí destacaba sobremanera la voz de una de sus hijas: Aretha, nacida en 1942, en Memphis.
Estos instrumentistas finlandeses de formación clásica, conocidos en el mundo como Apocalyptica, tienen el don de sondear los misterios de esas pequeñas notas en suspenso sobre el papel que ansían la liberación hacia la obra tántrica del sonido universal del acero.
En el ambiente alucinado del San Francisco de 1967 surgió la comuna urbana como forma alternativa de coexistencia: en sus casas victorianas vivían en comunidad los músicos de los grupos del nuevo rock, los artistas plásticos, los luchadores sociales, los desarraigados: ahí se ensayaba, trabajaba, dialogaba y se daba oportunidad a otros de hacerlo.
El Monterey International Pop Music Festival (su nombre oficial) fue el primer festival masivo de rock que se realizó en el mundo. Ese solo hecho bastaría para anotarlo en la bitácora del acontecer humano, sin embargo la efeméride fue más allá de la anécdota. Se erigió en el pico de una época que se conocería más tarde como el “Verano del Amor”, la plenitud de la revolución hippie y la plataforma de despegue de la experiencia psicodélica.
Una vez en Londres, Hendrix mostró su interés y talento para utilizar y crecer con las sofisticaciones electrónicas y las técnicas de estudio. Experimentó con los overdubs y contó además con la asistencia técnica y producción de Eddie Kramer. De esta forma estuvo listo para mostrase al mundo como una criatura fantástica amante de las maquinarias.
El álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band es un clásico. Sus muchas bondades han sido detalladas desde su aparición hace cincuenta años y eso continúa haciéndose ahora para celebrarlo. La historia de los Beatles cuenta con muchos comienzos --todo el tiempo se reinventaban--, y el de hace cinco décadas aún no tiene un final.
Fue en el año 2000 que apareció su primer álbum titulado como su nombre: !!! (Chk Chk Chk), el cual fue seguido por un single que los daría a conocer internacionalmente "Me and Giuliani Down By the School Yard", en el que a la mezcla de indie rock, post punk revival y dance punk le agregaban beats del house, sinuosas líneas de bajo, guitarras psicodélicas y letras sencillas.
Con la irrupción de los Doors el rock ya no fue sólo diversión como antaño. Perdió su inocencia. Había una argumentación al hartazgo de la existencia misma; una explicación a la pelea entre el pensamiento y el propio reflejo mundano, sustentada en la intuición pura heredada del romanticismo, esgrimida con poemas hechos de palabras justas, simbólicas, y lo más notable de todo, adecuadas a la lírica del rock.
Las ideas artísticas sólo son respetables cuando son independientes, es decir, cuando no se dejan usar como herramienta de pasarela o mercantil. En el medio sólo sobreviven como saber autónomo ahí donde se resisten a esas realizaciones interesadas. Ese es uno de los puntos que marca las diferencias del pop con respecto al rock.
“¿Cómo saber que algo es verdad cuando se vive con esa fiebre?”, se pregunta Torrini en “When Fever Breaks” (del álbum Tookah) meciéndose con una levedad inesperada dentro del oleaje furioso de un tam-tam primitivo que conlleva las porciones de una eternidad tan grande y espaciosa como para ser apreciada por sólo cinco sentidos. Relatar tal espesura con bellas canciones es su finalidad estética. Mostrar la fascinación por el multiforme espectáculo existencial que fluye siempre hacia la finitud.
¿Y si en lugar de buscar la felicidad conseguía propiciarla?, se cuestionó Albie y tal pensamiento le abrió las posibilidades. Él había nacido como Albert Edward Donnelly en 1947, en la zona de Huyton, de la ciudad de Liverpool, depauperada por la pobreza del ambiente proletario. Las opciones eran ser obrero como su padre o músico como los que tocaban en los bares que frecuentaba éste en busca de lo imaginado.
Esta tarde el viejo Bill está con Kurt Cobain, el santón trágico de una generación la mar desesperanzada. Es el 25 de septiembre de 1992. Burroughs llegó a la cita para grabar una sesión de estilo spoken word, con su andar cansino, ése que le marca hueso a hueso, con lentes que fijan como alfileres la mirada de sus ojos, el sombrero de fieltro y un traje antiguo y raído.
A la evolución electrónica ha estado ligado el quehacer de la mujer desde hace muchas décadas. Aunque su historia dentro de esta música aún no ha sido explorada con la debida atención. En muchas situaciones por el arraigado prejuicio de que las mujeres y la ciencia son cuestiones aparte; por la falta de documentación histórica y, a causa de lo mismo, por la indisponibilidad del material sonoro, perdido o desclasificado.
El blues ha reflejado a lo largo de su historia con visión certera el producto de las experiencias, los estilos de vida, los valores culturales y la comunidad de intereses de la mayoría negra de los Estados Unidos. El intérprete de blues, como en el caso de Big Bill Broonzy, se colocó en las diversas épocas y etapas del siglo XX, a la vanguardia en la articulación de dichos sentimientos y reclamos sociales.
En la corriente de Mersey beat fue donde se movió el Dave Clark Five. Su prestigio a mediados de los sesenta se debió a su imagen vital, pura, instalada en la parte más "limpia" que pregonaba la alegría y la diversión juveniles. Ello, aunado a un particular sonido conocido como "air hammer" (que semejaba al golpeteo de un martillo neumático), con una producción fuerte, trucada, expansiva y excitante, que ponía al frente al baterista y líder del grupo.
Son muchos los ejemplos del gran fresco que ha conformado la cultura rockera en torno a sus ídolos del celuloide, a la imaginería que han despertado desde siempre personajes únicos y emblemáticos. La lista guarda destacados temas, donde los grupos rinden tributo a ciertos actores, en los que han proyectado sus fantasías y en los que dichos homenajes quedan bien como letra de una pieza.
Michel Legrand, compositor y director de orquesta francés, hizo un viaje a mediados de 1956 a la ciudad de Nueva York con el fin de presentarse por primera vez en la televisión estadounidense. Iba acompañado del productor y realizador Jacques Canetti, también francés. En esta ciudad se entusiasmaron con un ritmo musical que resultaba nuevo para ambos: el rock and roll.
Aunque fuera de Japón Saori Yuki no era una cantante conocida, algún ejemplar de sus grabaciones llegó a manos del arreglista y pianista Thomas M. Lauderdale, director además de Pink Martini. Agrupación que se caracteriza por presentar ritmos retro, sensuales y desprovistos de una instrumentación recargada, los cuales combina con ideas de la rama conocida como “new exótica”, para convertirse en un híbrido sonoro muy placentero.
Melancólica e introspectiva o alegre y danzarina, la palabra Jazz se inspira no sólo en un ideal abstracto, sino en el mismísimo sonido de la voz humana. Con su realidad doliente, relajada o festiva, con su ritmo y sensualidad propias.
La propuesta de los Young Fathers es singular porque está construida con una mezcla particular: una base amplia de hip hop y proporciones variadas de otros elementos. Misma que en su aparición con el álbum Dead (del 2014) los hizo merecedores de premios, reconocimientos.
La historia del rock son sus mitos y leyendas, como la que concierne al grupo The Sonics. El rock de garage que surge con ellos constituye todo un fenómeno.
La canadiense Loreena McKennitt, cantante, compositora y multiinstrumentista (arpa, teclados, dumbeg, acordeón, sintetizador) es trovadora y tiene ya más de una decena de discos en su haber (entre los de estudio y presentaciones en vivo).
Digamos que en el comienzo fue Chicago. Ese paraíso mítico se convirtió en el centro de la forma urbana y electrificada del blues llegado del Mississippi bajo el nombre de rhythm & blues. Música de pequeños grupos, con el ejemplo totémico de Muddy Waters. Reflejaba el carácter de la ciudad industriosa y los fenómenos sociales acarreados por la migración negra.
Frank Zappa fue sin duda el gran pretendiente a la Presidencia de los Estados Unidos. A través de los años de su vida en el candelero, este importante personaje de la cultura musical externó sus razones y postulados al respecto. Rescatados éstos de diversas declaraciones públicas, he podido conformar el perfil de quien se postuló “seriamente” como candidato a dicho puesto.
En enero de 1967 la contracultura se hizo visible. Las protestas contra la guerra de Vietnam, el racismo y la falta de derechos de las minorías, llevaron a grupos diversos a manifestarse contra ello y contra el sistema (establishment) que lo fomentaba y permitía.
El personaje de Haruki Murakami –Watanabe-- recibe, con mucha jiribilla, el explosivo “regalo” de los recuerdos cuando escucha las notas de “Norwegian Wood” de los Beatles, en la magnífica novela Tokio Blues. Una jiribilla que trae consigo la carga de emociones lo mismo que de inquietudes, angustias, vacilaciones o la reinvención de los gestos cotidianos que vienen aparejados con el recuerdo –como ya constató Borges al respecto memorioso--.
La justicia poética los hizo encontrarse en el momento exacto para ambas partes. En la madurez más que brillante del director Martin Scorsese y en el reto fáustico que tenía el grupo The Band con el tiempo. El resultado: un retrato de la inmortalidad en el escenario.
Kenny G, cuyo verdadero apellido es Gorelick, es un intérprete estadounidense de los saxes soprano, alto y tenor, cuya música se ubica en los vagos límites entre la fusión y el muzak por lo que ha sido calificada, justamente, como "fuzak".
Las codiciadas intervenciones de Banksy (un observador singular, “anónimo”, inteligente y con inquietud por las enfermedades sociales), son las imágenes (solas o acompañadas de palabras) de sus reflexiones políticas, filosóficas, amorosas y sobre la convivencia colectiva.
Según el calendario y las enciclopedias el de 1966 fue un año común que comenzó en sábado. Sin embargo, quienes estamos involucrados con la música sabemos que no fue así. Que no fue un año común y que tampoco comenzó en sábado. Lo hizo el 16 de mayo y era lunes. La aparición de Pet Sounds y de Blonde on Blonde fueron las noticias importantes.
“If I had a Heart” es la canción que se escucha para abrir los créditos de una serie histórica y es, además, un manifiesto sonoro tan tribal y primigenio como latente de actualidad.
Entre tomar fotografías, leer las descripciones y solazarme con los pasos y la vista hacia ambos horizontes, llego a la mitad justa del Puente de Carlos, donde emiten sus sonidos las jovencísimas integrantes de un grupo de cuerdas que interpretan un ecléctico repertorio.
14 FICM - "Bellas de noche" - "El sueño de Mara´akame" - 5 Cabos Film Festival Fecha de transmisión: 2 de noviembre 2016.
¿De entre los atavíos del género rockero —las drogas, el alcohol, las mujeres fatales, las obsesiones de los fans, la vida de las giras, los traslados, el estrés — es de manera inherente el acto mismo de ser uno de sus intérpretes destacados, de sus divulgadores más escuchados, de sus representantes más conspicuos, algo mortal o peligroso? ¿O será que las personas elegidas por el rock de antemano poseen una línea de vida debilitada y estén destinadas a una muerte prematura sin importar los avatares?
El legado de Chuck Berry es grande y determinante y muchos de sus preceptos pueden ser catalogados como parte del canon del género. Él le dio a éste un lenguaje y la prístina pronunciación de las palabras; compuso canciones sobre andanzas y fobias del adolescente cotidiano y de sus ansias vitales, en ellas habló de la naciente cultura como tal (icónica y temática).
La nostalgia --inherente en la música de casi todos los géneros--, es una droga dura, omnipresente y siempre contemporánea. Pero, al reflexionar al respecto, el lector, el escucha atento, se preguntará ¿cuándo comenzó en el rock este enganchamiento con ella precisamente? ¿Quién lo inició, cómo y por qué?
Hindi Zahra lleva más de un lustro dedicada a difundir el canto contemporáneo marroquí por el mundo. Ese que habla de la realidad de hoy y no la del añejo folclor de antaño. El que se vuelve incluyente con el mundo, y no excluyente como desean los líderes políticos y religiosos de aquel país.
El esperanto utiliza sonidos y palabras comunes a todos los idiomas europeos. Su gramática es sencilla y, según los estudiosos, es posible aprenderlo en poco tiempo. Para crearlo, el doctor Zamenhof usó 904 raíces con las que podían formarse por lo menos diez mil palabras.
El papel de la mujer británica dentro del blues fue muy importante, enriquecedor y sobre todo impulsor. A ellas les corresponde en gran medida un sitio en la época dorada del blues-rock. Con nombres como el de Christine Perfect o McVie, Jo-Ann Kelly, Maggie Bell y demás pioneras, las féminas consiguieron instalarse en un nicho aparte como un artículo genuino.
La Musique de Paris Derniére. La música del París nocturno es una idea estética que implica las famosas tres “c”: causa, conocimiento y compromiso, es decir la exposición (en su variedad de acepciones). La urbe: París, una que no necesita de presentaciones puesto que la historia y la imaginería lo han hecho sobremanera.
Entre los días 26 y 31 de agosto de 1970 se dieron cita en la Isla de Wight: Jimi Hendrix, The Doors, Bob Dylan, Moody Blues, Joan Baez, Sly & The Family Stone, Ten Years After, Jethro Tull, Miles Davis y Emerson, Lake & Palmer, entre otros.
Los hacedores europeos se pusieron a trabajar de forma intensa en las últimas décadas y, luego de permear el continente, lanzaron al mundo en general una paleta musical novedosa que ha sabido consolidar una de las culturas más interesantes y propositivas del presente siglo: el jazz electrónico.
Con su música y textos Amy Winehouse expuso su verdadera alma. Además, con la inestimable ayuda del productor Mark Ronson, hizo converger la elegancia del soul con la poesía callejera y la actitud punk. Su cuerpo parecido al de una niña de 12 años, bajita y flacucha, trasmitía fragilidad. Sin embargo, tal hecho no sólo era físico sino también mental.
Al ir pasando por las salas de la exposición Bowie is confirmo, para mí, aquello de que los humanos somos criaturas que se cuentan historias a sí mismas para entender qué clase de entes somos. Relatos como el de este personaje se convierten en lo que conocemos, en lo que entendemos y en lo que somos y, como en su caso, también en lo que nos convertimos y en lo que tal vez podemos llegar a ser.
Con la nueva obra del Cuarteto de Liverpool de 1966, Revolver (el séptimo de su discografía), se hizo evidente que el rock era un espíritu omnipresente y su presencia lo contemplaba todo. Se expandía por doquier (hacia dentro de la mente humana y hacia otras geografías) y en él cabía lo inimaginable.
Como icono mundial, Bruce Springsteen, siente la responsabilidad, plenamente asumida, de estar a la altura del acontecimiento social que representa; de su propio discurso, planteamiento y convicciones frente a su público (la comunidad rockera), sin dobleces, como desde hace cuatro décadas.
Horace X riega su manifiesto musical con un brebaje de High Energy, hecho a base de un reggae de alto voltaje al que se llega tras las huellas de la ruta celta, por un lado; por la de los vientos de la épica balcánica, por otro, y por las de las voces furibundas del Medio Oriente desértico o del hip hop de la Urbe, así, en general, o del soul, del rock, del ska o de lo que sea.
Película "7:19" | 19 GIFF Fecha de transmisión: 20 de julio del 2016.
Se cumplieron 25 años del fallecimiento de Serge Gainsbourg y, a final de cuentas y más allá de los análisis y los homenajes a su persona, queda una certidumbre: sus canciones serán imperecederas. Importa poco lo que sobreviva del personaje. Lo que permanecerá al escuchar sus obras es que en melodías, arreglos y textos uno se volverá inteligente por el tiempo que dure alguno de sus refranes o un par de versos. Gainsbourg se fue (en 1991), pero siempre lo escucharemos en off.
A los 23 años Delmore Schwartz publicó el que sería su texto más famoso: “En los sueños comienzan las responsabilidades”. Y un año después un libro de cuentos con el mismo título. Éste tuvo una excelente recepción en los círculos literarios neoyorquinos y fue considerado uno de los escritores más talentosos del momento junto a John Berryman, Randall Jarrell y Robert Lowell.
John Fogerty (en principio y a final de cuentas el cerebro y alma del grupo Creedence Clearwater Revival) cumplió cabalmente con el precepto artístico de universalizar con sus canciones el viaje interior por el corazón y la música de una geografía humana y pantanera, y su obra vendría a ser la parte sonora de lo ya desarrollado literariamente por Mark Twain y William Faulkner.
La música ha acompañado a las strippers desde la Babilonia mitológica hasta hoy, con todas sus características y tradiciones diversas. Sin embargo, a través del tiempo el acompañamiento sonoro se ha ido especializando y adaptando a la época.
B. B. King había aprendido a tocar en la guitarra casi todo lo que escuchaba a base de intuición y experiencia, lo cual se podía aplicar por igual a los sonidos escuchados Bukka White, que a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Lonnie Johnson o Albert King, sus influencias principales; y a los que sólo existían en su mente, ese misterioso lugar que le habría de proporcionar su propio espacio (donde el sonido del Delta se infiltraba en la urbe).
Con el nuevo siglo brotó una diversidad hipermoderna como destino para los hacedores del arte: el vintage. La música aportó con esta vertiente la posibilidad de estar en una escena actual ofreciendo otra de antaño en el mismo espacio, a discreción –entre 50 y 30 años mediante, como mínimo. Dejando al escucha atento la oportunidad de reconocer el tejido original sobre el que se construye lo nuevo.
¿Qué se debía esperar del nuevo álbum de D'Angelo? La respuesta representaría el siguiente paso. Demostraría que maduró tras tres largos lustros y que eso se haría notar. Lo primero que tenía que hacer era no querer ser demasiado perfecto ni pulido, dejar que todo el material tuviera su propia vida. Lo consiguió. El talento del virginiano cuajó de nuevo en una obra maestra: Black Messiah.
El jazz el disco Bitches Brew de Miles Davis y la fundación del grupo Lifetime por Tony Williams, en 1969, por lo general se consideran como el principio oficial de la fusión, que a partir de ahí y hasta comienzos de los años ochenta se le denominaría como "jazz-rock".
Hasta 1967, más o menos, los mundos del jazz y el rock se habían mantenido separados casi por completo. No obstante, conforme el rock se volvió más creativo, incluyente, mejoró el oficio de sus músicos, y al aburrirse del hard bop algunos miembros del mundo del jazz, los dos lenguajes empezaron a intercambiar ideas y, ocasionalmente, a unir fuerzas.
Shadows in the Night, un álbum de caprichoso manifiesto y voluntad estética (de sonido bello y delicadamente triste) será el disco dylaniano del ecuador de su séptima década vital.
En el tercero y más reciente álbum de The Dø lleva por título Shake, Shook, Shaken, una obra que los reafirma como excéntricos entes creativos y los pone en la cima de las agrupaciones que realmente han marcado la ruta de la música popular en lo que va de la última década.
Lo que Justin Townes Earle compone e interpreta es dark americana: un country contemporáneo con el foco puesto, primero, en la autenticidad artística. Esa área donde la sinceridad del músico no trata de exagerar las interpretaciones o las expresiones emotivas.
La británica Florence Welch con esa presencia suya, tan poderosa de sibila roja, deslumbra con sus apariciones telúricas; con sus cantos sobre brujería y amores complicados; con su mezcla de influencias diversas (de Annie Lennox a Tom Waits); por The Machine, un aparato sonoro variable que puede consistir en un simple piano o por una banda de 32 músicos, la banda con la que busca hacer sentir y comprender a los escuchas.
Al ciclo de intercambio musical entre los Estados Unidos y Camboya le ha llevado medio siglo completarse. Primero fue incansable e ininterrumpidamente del continente americano al asiático y en la actualidad, tras 50 años, está de vuelta, enriquecido en ambos sentidos a través de su ya larga historia.
En uno de los extremos de la escena hiphopera alemana se encuentran los raperos experimentadores, tanto del sonido como de la palabra, que señalan y enfatizan de manera artística sus reclamos sociales.
En la cuenta de los días, el 13 de abril de 2015 murió el escritor uruguayo Eduardo Galeano. A poco de su fallecimiento llegó a las librerías su texto Mujeres, una antología de cuentos y relatos dedicados a personajes femeninos.
A pesar de que el lenguaje siempre va a ser un obstáculo para el conocimiento de la obra de Omar Souleyman fuera de la región de Medio Oriente, su oferta musical sí le llega al oyente acostumbrado a las fusiones (tecnológía con rusticismo) y al que le dice cosas de esa manera, ya que las emociones contenidas en sus piezas, además de la melancolía, hablan de amor, tristeza, desamor, sentimientos compartidos por todos, por doquier.
A mediados de la segunda década del siglo XXI el rock, con su amplia, expansiva y omnipresente cultura, aún les causa escozor a los conservadores ideológicos de toda ralea.
Los años cero, es decir la primera década del siglo XXI, tuvieron una coyuntura socioeconómica crítica a nivel global que atentó contra su particular realidad al hacer de la ambigüedad su contexto.
Los mitos, los íconos, ritos e hitos acompañados de la sonoridad electrónica definieron de la década de los noventa en adelante muchas de las actitudes, formas de ser, maneras de pensar y hasta gestos comunes del mundo entero. No fue un apocalipsis ni la explosión de nada, sólo el punto de llegada --crítico, eso sí-- de un momento histórico, y al mismo tiempo una nueva y seductora partida para ampliar las fronteras de todo.
En los ochenta, Bob Geldof, líder de la banda irlandesa Boomtown Rats, llamó la atención sobre la hambruna africana y organizó la Band Aid y el concierto Live Aid (que en lo musical también marcó un parteaguas estilístico: de la new wave y el new romantic al synth pop y al uso del sintetizador en detrimento de la guitarra).
En sus orígenes el punk fue un fenómeno musical y social que se manifestó a mediados de los años setenta como reacción contra el pop artificioso, la vacua moda Disco y el onanismo del rock progresivo y metalero, emparejado con el descontento social de una nueva generación de jóvenes, lo mismo en Nueva York (donde se originó), que después, en un país atormentado por la conciencia de clases y por el retroceso económico, como Inglaterra.
Los años sesenta señalaron lo musical como protagonista (con el nacimiento de infinidad de géneros), pero en esencia subrayaron lo sociopolítico. Puede considerarse la década de las ideologías.
Berlinale 66 - FICUNAM - "Epitafio" - AMTEC Educación Fecha de transmisión: 17 de febrero del 2016.
Marcel Proust escribió que “el verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en obtener nuevos ojos”, es decir otra visión y otros argumentos. En el terreno del rock and roll esto siempre es necesario. Porque para disfrutar plenamente de él y quedar con la atención satisfecha hay que estar y sentirse extasiado ante la mera y espectacular historia de su aparición y posterior presencia en el mundo.
El soul, la proverbial mezcla del góspel y de rhythm and blues, se enfrentó con sus esencias a la disyuntiva romántica de escoger entre festejar a lo divino (procedente del primero) o inclinarse por lo humano (fundamento del segundo). Ante ello, el nuevo género tomó las estructuras del góspel y las canalizó mediante los instrumentos del R & B para expresarse.
La contribución constante e ininterrumpida del dadaísmo al arte contemporáneo –del que el jazz, la música electrónica y el rock forman parte indiscutible-- es la puesta en duda continua sobre la esencia misma del significado artístico; la certeza de que todo –literalmente-- es una convención que puede ser puesta en tela de juicio y que, por lo tanto, no hay regla inamovible que lo legitime de manera alguna.
"Entre Cuba y México, todo es bonito y sabroso" | Cinefilias Coyoacán 15 años | Revista Mexicana de Cine TOMA No. 44 Fecha de transmisión: 27 de enero del 2016.
La contribución constante e ininterrumpida del dadaísmo al arte contemporáneo –del que el jazz, la música electrónica y el rock forman parte indiscutible-- es la puesta en duda continua sobre la esencia misma del significado artístico; la certeza de que todo –literalmente-- es una convención que puede ser puesta en tela de juicio y que, por lo tanto, no hay regla inamovible que legitime de manera alguna lo artístico.
En la cuenta de los días, fue en 2001 cuando la filósofa mexicana Graciela Hierro publica su obra La ética del placer, con la que cierra un ciclo que inició dieciséis años atrás, cuando la UNAM edita su libro Ética y feminismo. Dos años después, en 2003, moriría en la Ciudad de México, la mujer que dedicó la mayor parte de su vida académica a apoyar el desarrollo de investigaciones feministas.
Desde su fundación, a fines del siglo XX, el grupo coral Gregorian ha entrado al estudio de grabación para reiniciar el proceso una y otra vez de insertar en su estilo milenario a los exitosos pop y rock. De esta forma ha aparecido la secuela de álbumes llamados Masters of Chant en sus distintos capítulos, lo mismo que sus apariciones en vivo, discos navideños y otros proyectos alternativos.
El coro de “You Cant Alway Get What You Want” cantaba sobre el espíritu de los tiempos. Era la representación de la gente en él. Reinaba esa sensación de desasosiego frente al fin de la utopía, el desamparo colectivo frente a un mundo incierto y cada vez más intrincado.
Una época, una canción y un concierto. Así podría anunciar la emisión navideña de este año que termina. Emisión que festeja los 30 años de la canción más escuchada en aquellos tiempos (y recientes): “Do They Know It’s Christmas?”, la cual contiene diversas historias y ofrece varias lecturas: la política, la social y, por supuesto, la musical.
En las más de doscientas canciones que ha compuesto Neil Finn a lo largo de su carrera, la cotización de sus atmósferas ha crecido y dado a su estilo un nombre propio. Y la gama que abarca desde lo melódico, por antonomasia, hasta la experimentación psicodélica (pasando por la New Wave, el pop rock, el indie, el dream pop o el space) le ha acarreado éxitos monumentales y ser nombrado como referencia incuestionable de la época.
ABC estuvo metido en la misma batalla existencial que sus inmediatos antecesores, los punks, pero con un signo diametralmente distinto: no renunciaban al futuro y querían vestir mejor al presente, literalmente; conseguir una mejor calidad de vida y buscar el desquite con el hedonismo. Llegó la obsesión por la ropa y el amor por el baile.
El autor Mickey Spillane ha influido notablemente en otros escritores y en otras disciplinas, como la pintura donde el artista plástico alemán Markus Lüperts lo cita como influencia decisiva, o en el mundo del comic book cuyo mayor representante, Fank Miller, lo señala como gran faro.
El rock mismo ha enseñado a la sociología, a la antropología y a otras ciencias sobre la investigación humana que pese a los esfuerzos por asentar el cliché cronológico en su hechura y escucha, una visión simplista del género, los hechos resultan subjetivamente más complejos.
Parker consiguió labrar un sonido más personal dentro de la corriente electrónica downtempo que se enriquece con elementos jazzísticos, centrado en la belleza más irreal posible. La suya fue una apuesta por estructuras aparentemente impenetrables que cuajaron sobremanera en el casi industrial disco Kiss My Arp: un reto del sonido.
El grupo Afro Celt Sound System, con una integración de elementos de diversos orígenes geográficos, ha derribado las categorías musicales entre la world music, el rock y la música negra. Viven como un proyecto de puertas abiertas lo mismo para el futuro que para la tradición. Son como un péndulo que va de las míticas tierras celtas a los modernos clubes de dance londinenses.
Cien años después de la publicación de Hojas de hierba, de Walt Whitman, el libro –que sublimó lo ordinario-- conectó con el sonido que lo intensificaría y daría a conocer a multitud de generaciones: el rock and roll. Y lo haría gracias a dos profetas de sus palabras: Jack Kerouac y Allen Ginsberg,
Arthur Alexander entró al estudio FAME de Rick Hall para grabar aquella canción. Hall llamó a los músicos de la banda local con la que tocaba y juntos grabaron “You Better Move On”. Rick Hall ganó suficiente dinero con ella para convertir FAME en un estudio de referencia histórica (un sitio por el que pasarían luminarias).
Si bien la existencia de Cream se redujo a dos años, el tríptico formado por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, representó el prototipo del grupo de rock exitoso y "moderno" de los años sesenta, el “Power Trio”. Caracterizado por un volumen fuerte, basado en el blues, audaz en el aspecto instrumental (imbuido en la improvisación del jazz del que 2/3 de sus componentes eran originarios) y muy rítmico.
Con la exégesis músical que dio aquel grupo británico esa noche, en aquel auditorio de la ribera suiza, algo se movió para mí transfiriendo unos minutos de actuación en un tiempo de eternidad personal conectada permanentemente a su dinamo (y que gracias a la edición del disco con dicha presentación, Rockpile Live at Montreux 1980, puedo revisitar cada vez que lo requiera).
"Hilda" - "Dólares de arena" Fecha de transmisión: 16 de Septiembre del 2015.
Primero fueron los literatos, los poetas, quienes hicieron salir a Nosferatu (y Drácula a la postre) de su ataúd. Luego vinieron los cineastas (con F.W. Murnau a la cabeza) y los actores como Bela Lugosi, Max Schreck, Klaus Kinski. En tiempos recientes les ha tocado a los músicos del rock evocar al vampiro.
Los entusiasmos e influencias de Syd Barrett se volvieron tópicas: oráculos chinos y cuentos de hadas infantiles; ciencia ficción de serie B y los textos de J.R.R. Tolkien; las baladas folk inglesas, el blues de Chicago, la música electrónica de vanguardia, Donovan, los Beatles y los Rolling Stones.
Las piezas que cantaba Patsy Cline distinguían a las mujeres de las niñas. Una balada suya cristalizaba las emociones, eliminaba las barreras entre el intérprete y el escucha, revelaba verdades y establecía la retroalimentación “soul to soul”.
A comienzos de los años setenta los Rolling Stones huyeron de Inglaterra en desbandada. Hacienda los tenía en la mira y les mordía los talones (como brazo armado del stablishment). Y también tenían detrás de ellos a un mánager que, tras quedarse con los derechos de todas sus canciones de la década anterior, quería zamparse por igual los derechos de temas todavía inéditos.
En lo netamente musical el jazz-rap es un subgénero del hip hop que incorpora influencias jazzísticas en diversos grados y niveles, según el artista y sus intenciones. El desarrollo en este sentido entre finales de los años ochenta (sus comienzos) y mediados de la segunda década de los años cero (cuando cumple ya un cuarto de siglo) ha sido patente.
En la Gran Bretaña de mediados del siglo XX todos los músicos descubrieron en algún momento su identidad musical. Y su punto de partida común fue el blues. Gente como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor asistieron a la estricta escuela del blues que John Mayall dirigía, los Bluesbreakers.
Lo llamaban “Snake Pit”, un estudio de grabación en el centro de Hitsville USA, en Michigan, donde se producía la música que llevaba el sello de Detroit o el sonido Motown a fin de cuentas. Y con eso quedaba todo establecido, porque en ello se inscribían gloriosas composiciones, el frenesí juvenil, voces de leyenda, arreglos sublimes y bases rítmicas históricas.
El cantautor estadounidense Woddy Guthrie murió en octubre de 1967 pero su legado dentro de la música popular y dentro del rock, en específico, ha permanecido tan fresco como el primer momento en que Bob Dylan lo presentó a una nueva generación con versiones de sus cantos.
Nnenna Freelon pertenece a esa nueva generación de mujeres afroamericanas que tuvo en la primera dama estadounidense a su representante más visible. Son mujeres elegantes, distinguidas y, sobre todo, educadas, cultas y con un interés real y profundo por el bienestar social de la comunidad.
La historia de un grupo como Metronomy no comenzó a fines del siglo XX como lo puede indicar cualquier monografía sobre él. No. Su esencia, su origen ontológico es otro, uno que evoca tiempos idos y, antes que nada, la primigenia idea de la exclusividad para los momentos recreativos, como el privilegio de disfrutar de un ocaso, por ejemplo.
El pintor neoyorquino Roy Lichtenstein, a mediados de los años sesenta, pasó de la perspectiva de las mujeres como extensiones del mobiliario doméstico a las que había representado en sus cuadros, al de seres que sentían, pensaban y creaban su imagen moderna.
"Eco de la montaña" - Documental "Allende, mi abuelo Allende" - Documental "Ayotzinapa. Crónica de un crimen de Estado" - Libro "El cine actual, confines temáticos" de Jorge Ayala Blanco. Fecha de transmisión: 10 de Junio del 2015.
El rock, como música y prioritariamente como cultura, siempre ha buscado la oportunidad y también el motivo para manifestar su selección de influencias. En el caso de los ingleses, éstos han sentido --desde los años sesenta del siglo XX-- especial apego a todo lo indio y árabe por la misma causa por la cual los rocanroleros estadounidenses se sienten ligados a la música negra.
Las innovaciones técnicas y el aprovechamiento de los procesos mecánicos son características del siglo XX, manifiestas en todas las artes reproductivas, del grabado a la serigrafía, del cartel y el comic a la publicidad y a la fotografía.
Para hablar del J-Rock, como hoy se le denomina al género surgido por aquellas praderas del Sol Naciente, hay que remontarse a los años 50 del siglo XX cuando comenzaron las influencias occidentales llegadas de La Unión Americana con el rockabilly al frente, primordialmente.
El fuerte del compositor Cole Porter radicaba en las canciones individuales, perturbadoras y glamurosas con ritmos frágiles y animados, la mayoría de las veces con textos de doble sentido que las volvían controversiales y siempre dispuestas a escandalizar a la recatada audiencia burguesa.
Las imágenes de Anton Corbijn, tanto fijas como en movimiento creadas a lo largo de casi cuatro décadas --de Art of Noise a Tom Waits en decenas de videos o fotos-- y que incluyen dos largometrajes laureados: Control (biopic de Ian Curtis) y The American (con George Clooney), le han conferido el título de “Maestro del arte oscuro” en tres diferentes medios que se caracterizan, además, por sus miles de oficiantes en competencia.
The Traveling Wilburys hicieron canciones de amor entre el deseo y la frustración, citas de sí mismos presentadas con cierta sonrisa y todo tipo de juegos con la guitarra. Muchos son los puntos destacados de sus discos ricos en material (¡rock & roll de raíces!).
La onda póetica expansiva iniciada por Charles Baudelaire y continuada por A.R. Ammons, tiene en el grupo Garbage a su soundtrack más representativo de los tiempos que vivimos: un sumidero en la acumulación de restos y desperdicios de toda índole, en donde la vida se ha visto degradada por el perverso devenir del mundo.
Las prácticas con la remezcla del jazz electrónico han creado un desdoblamiento musical constante, el cual permite una reescritura permanente en tal sentido, interminable y polifónica. De esta forma los territorios de Billie Holiday y los nuevos productores se diferencian y se asemejan en una imaginería que se despliega con una producción rica, intrincada y elástica.
Billie Holiday nació hace 100 años, el 7 de abril de 1915, y continúa siendo el punto de referencia cuando se trata del canto en el jazz. El romance, la melancolía, la desesperación: “Lady Day” (su sobrenombre) supo abarcar como nadie más toda la escala de los sentimientos humanos.
Este es el perfil de un dios que fue único y diferente dentro de la escena del rock. Se forjó a sí mismo; vivió en los vértices del triángulo geográfico fundamental del género (Nueva York, Luisiana, California); creó un sonido particular; una coreografía para sus presentaciones, cuya estética prevalece hasta nuestros días en diversos ámbitos de la cultura popular.
En los primeros siglos de la humanidad, cuando el hombre sólo tenía que atender sus necesidades básicas, ciertas fórmulas de cortesía entre los seres humanos no eran más que saludos simples porque los idiomas entre las tribus estaban en una fase de desarrollo.
Debido a la explosión del rock británico durante la década de los sesenta, las producciones de las regiones anglosajonas (incluyendo la estadounidense, por supuesto) produjeron un gran eco e hicieron más ruido que lo ejecutado en otras partes del planeta, como en Francia, por ejemplo.
Hay quien piensa que las orquídeas son las flores más hermosas del mundo, pero hay una orquídea que Los Contertulios consideran la más sabrosa del mundo ¿sabes cuál es?
No hay mayor equivocación con respecto a un artista grande que darlo por conocido o por entendido. Hasta ahora yo creía, no sin suficiencia, que a Bob Dylan lo tenía de esa manera. Ahora que lo he revisitado con motivo del medio siglo de la aparición de Highway 61, he descubierto nuevos ángulos para escuchar sus canciones, sobre todo en lo que respecta a “Like a Rolling Stone”.
Las profundidades del mar son mayores que las alturas terrestres. La presión al final de la famosa Fosa de las Marianas es mayor a mil atmósferas ¡La oscuridad es total! ¿Qué se necesita para llegar hasta allá, además de valentía?
En la temática del rock el crimen de género ha sido un asunto recurrente en su ficción lírica. Sin embargo, de facto, tal homicidio cometido por parte de rockeros (incluyendo a los del heavy metal más extremo) ha sido muy escaso y con muestras muy señaladas, como salvedades: el de Nancy Spungen a manos de Sid Vicious, el de Lana Clarkson por Phil Spector, y el de Marie Trintignant por Bertrand Cantat, entre los más destacados.
Uno de los más conocidos detectives mexicanos fue Valente Quintana, que vivió de 1890 a 1968 y tenía fama de ser muy caballeroso con sus enemigos.
Durante la época de la grabación del álbum Fathers and Sons, la compañía Chess Records luchaba para que los temas de Muddy Waters retornaran a las listas de rhythm and blues pero, al mismo tiempo, etiquetaba sus álbumes como música folk (que cobraba fuerza por entonces), antes de seguir el camino del rock underground y presentarlo como "padrino” de éste.
El silencio es una materia importante para quien lo conceptualiza, dirige o diseña. Es importante para el estadounidense David Lynch en todos los campos donde trabaja: cinematografía, pintura, fotografía, diseño y música.
Una vez que el doo-wop, ese subgénero derivado del rhythm and blues, desembarcó en New Jersey, el estado que se extiende frente a Nueva York, fueron los italoamericanos, en específico, quienes lo tomaron para sí y lo unieron a sus propias tradiciones vocales.
Allen Ginsberg fue sin duda una de las personalidades del siglo XX, el poeta que encontró en Howl el tono definitivo de la poesía estadounidense, un poeta que dejó su marca en la literatura contemporánea. Es reconocido además como uno de los padres espirituales del Flower Power y el hippismo.
La palabra INERCIA viene de inerte cuya etimología es in, significa falta de capacidad de movimiento, y erte equivale a arte: capacidad o técnica. Un cuerpo o una masa es inerte cuando tiene falta de capacidad para moverse; y desde luego contrasta con la palabra ACELERACIÓN que es la acción y el efecto de acelerar.
Una buena canción debe llevar a la euforia o al relajamiento. Una buena canción que además se vuelva clásica, única, también cambiará la temperatura del cuerpo con su melodía, las coordenadas de la razón con su letra. Eso lo ha provocado “Satisfaction” como constante. Reververó su riff legendario y, desde entonces, está inserto en la memoria del corazón y en la de todo presente porque permite la revisitación en épocas distintas.
La época que le tocó vivir a Charlie Parker está sintetizada en su figura como saxofonista. Maestro de maestros, que con sus excepcionales condiciones llevó al jazz a una máxima complejidad desde un profundo vanguardismo. Sin embargo, también lo está por el choque frontal del músico con las formas de vida dominantes en su país (los Estados Unidos), especialmente por la aguda discriminación racial que atravesaba el funcionamiento social de su tiempo.
ÁFRICA es el tercer continente (después de Asia y América) más grande del mundo por extensión territorial. África es tan polifacético, que para unos tiene que ver con la lucha contra una de las enfermedades más contagiosa del mundo: el “Ébola”; mientras que para otros, tiene que ver con ir de Safari.
Llegar como extranjero, ante la imagen de una ciudad como París, exige motivos distintos, tan triviales como profundos. En ese bar, el Rendez-vous des Amis, esa noche, supe los míos: encontrarme por fin con el lejano corazón de mis afinidades electivas; ese corazón hambriento de vida, que con una canción escuchada en las mejores condiciones, me hizo vislumbrar el producto de tanta literatura, tanta poesía, tanto cine y nombres acumulados, hasta toparme con su verdadera esencia.
En estos retratos del día a día que presenta el grupo Wir Sind Helden, en la vida de una de ficción musical hecha con retazos de la realidad contemporánea de fondo, nos van mostrando poco a poco imágenes de lo que alguien, cualquiera, ha querido ser y de lo que es.
Actualmente, como parte de las celebraciones por el centenario del fin del siglo vienés, se reúnen obras de su pintor más representativo, en una exposición-espectáculo en la Costa Azul de Francia. Klimt y Viena, un siglo de oro y de colores es un espectáculo multimedia inédito que ilumina un recinto excepcional: las Canteras de Luces en Les Baux-de-Provence.
El de esta orquesta es un estilo hipermoderno en todos sus matices, en el que las décadas y los movimientos sonoros se superponen y conviven unos en otros sin cortapisas, creando el coctel global mejor mezclado y nada revuelto. Y de entre la variedad de ejemplos que lo practican, destaca esta agrupación atinadamente llamada Pink Martini.
La evolución de sus voces hacia un enfoque más contemporáneo, con énfasis en las inclinaciones jazzísticas del grupo, le ha valido a Manhattan Transfer recibir premios y reconocimientos internacionales. El suyo ha sido un triunfo artístico con material complejo que invariablemente pone a prueba la capacidad interpretativa del cuarteto. Al involucrarse con un disco navideño, Tim Hauser y compañía logran una obra excelente.
Phil Spector, el más legendario de los productores musicales en la historia de la música; cuyo nombre es sinónimo de genialidad en ese rubro; el que produjo discos míticos como el de las Ronettes, el Christmas Gift For You, el Death of a Ladie’s Man, de Leonard Cohen, el End of the Century de los Ramones o el Let it Be de los Beatles, fue procesado hace un lustro por asesinato.
Hace 50 años Ronan O’Rahilly empezó a fantasear con crear una emisora flotante, una estación de radio a bordo de un barco en aguas internacionales, libre y sin las restricciones de la ley, dedicada casi en exclusiva a la programación musical del rock 24 horas al día.
Roger Waters dijo en 1980 que no presentaría The Wall en vivo hasta que cayera el Muro de Berlín. Diez años después tendrá que cumplir con su palabra. Una institución de asistencia para las víctimas de las catástrofes naturales hizo contacto con el músico para que la apoyara en su labor, realizando un magno evento que llamara la atención hacia el proyecto y cuyas utilidades netas fueran en beneficio de la fundación.
Las fotos que trascienden arrojan luz sobre un momento importante o sobre un aleteo casi imperceptible del alma humana, en este caso a través de su expresión musical. El fotógrafo que busque eso debe mantener la realidad a distancia, evitando enredarse en sus accidentes para a la larga zambullirse en brazos de lo real. En eso consiste su tarea y cuando lo consigue se consagra.
Está claro que el grupo irlandés The Strypes necesita excitarse con lo que lo conmueve. El secreto de estos cuatro jovencísimos músicos está en hacer aquello que los quema por dentro.
Alguien como el italiano Paolo Conte no deja de incluir en el periplo de su cancionero múltiples imágenes y monumentos al amor, la soledad o algún otro sentimiento profundo a su poética textual. Sin embargo, no desdeña lo aparentemente más próximo o nimio.
Desde los comienzos de la actividad fotográfica ligada al género, el fotógrafo que ha logrado estar en el lugar justo, en el momento justo, ha sido capaz de atestiguar escenas que han trascendido en el tiempo y puesto su nombre en la historia de la música, tal es el caso de Alfred Wertheimer.
De William S. Burroughs festejamos en el 2014 el primer centenario de su natalicio. Con su espíritu clarividente, cosmovisión definida y en sus distintos lugares de residencia, siempre ejerció como Sumo Augur —una práctica que a base de lucha les ha reservado la prerrogativa del Apocalipsis a los escritores desde siempre.
El pop de los años setenta sólo conjugó un verbo: edulcorar. Y lo conjugó como suele hacerlo el mainstream, la corriente más comercial: exageradamente. Lo hizo al arrullo de la única formación cuyo sustento exclusivo era ése: Carpenters.
El epíteto “supergrupo” comenzó a manejarse a fines de la década de los sesenta del siglo XX, como repercusión del disco Super Session (de 1968), ejemplo franco de esta naturaleza realizado por el trío formado por Mike Bloomfield, Al Kooper y Stephen Stills (que curiosamente y por injerencia del azar nunca tocó junto).
La tradición de protesta manifiesta en la música popular africana ha permeado al continente desde hace décadas. Igualmente, ha estado presente en las nuevas generaciones las cuales utilizan ahora el fuerte sonido de las guitarras eléctricas para sus manifiestos.
A lo largo de los años me he preguntado en diversas ocasiones ¿en qué disco o discos me gustaría vivir? Sí, dentro de él o ellos. Los motivos son totalmente subjetivos: por lo que me trasmiten y emocionan; por su ambiente, significado o el momento histórico en que se grabó; por el lugar donde se hizo; porque con él se inauguró un género o porque ahí se reunieron varios elementos por única vez, en fin, diferentes causas que masajean mi imaginación.
Si cualquier mitología se muestra en su forma exterior y literal como una serie de fábulas, se revelará como una sucesión de imágenes llenas de contenido. La unión entre rock y cinematografía ha dado lugar a decenas de películas que han contribuido a crear un género propio, con características únicas y cuyo desarrollo ha alcanzado dimensiones insospechadas a lo largo los años.
Dion, en su momento, fue el hijo predilecto del barrio: el “Rey del Bronx”, todo un ídolo juvenil, adorado por las damas, el orgullo italoamericano y la médula de las calles de Nueva York, con su mezcla de razas y credos, su desenfreno adolescente y callejero y su ambición vital tras la posguerra.
“¡Vamos a restituir el sexo al lugar que le corresponde!” Ésa fue la consigna que lanzaba el grupo británico Rockbitch al iniciar sus conciertos. Compuesto hacia el final de su existencia por seis mujeres, presentaba una combinación casi perfecta entre punk celta, goth metal, industrial y porno.
Cortázar fue un excelente guía que nos llevó con su aliento fantástico por el Metro parisino a las crepas de l\'Odéon, al restaurante universitario de Parc Montsouris, a los bares de la rue des Lombards, a los hoteles alrededor de Abbesses, a los cafés del Pont des Arts donde vimos nevar como niños encantados, tras nuestro primer encuentro. Sentados en un café reconstruíamos minuciosamente los itinerarios.
Del trabajo conjunto entre Lou Reed y Mick Ronson, más las salpicadas aportaciones de David Bowie, surgió uno de los discos más impactantes de la historia del rock: Transformer. El cual tras su aparición sería fundamental para el desarrollo de diversos estilos musicales, entre ellos el glam, que tendría al propio Bowie como uno de sus estandartes.
La emergente música del rock & roll nació con la imaginería del automóvil a mediados del siglo XX y fue el género que propagó dicho icono como guía para la realización de uno de sus fundamentos esenciales: la diversión (los otros eran la glorificación de la juventud, la celebración de la energía –incluida la sexual, of course--, y el odio hacia la educación formal e impositiva).
Como compositor, productor y arreglista, Willie Dixon se presentó siempre como una figura dominante del blues de Chicago desde los años cuarenta del siglo XX. Como parte de la compañía Chess supervisó, acompañó y muchas veces proporcionó material a las grabaciones de artistas como Howlin\' Wolf, Muddy Waters, Otis Rush y Magic Sam.
Las bandas de México; una gran variedad y surtido de expresiones musicales.
Un pintor crea arte con sus imágenes sobre el lienzo blanco; los músicos lo hacen en el silencio. Una sentencia plástica de la que hace gala la película Drive. Los mejores filmes siempre ofrecen diversas lecturas, perspectivas desde las que es factible extraer reflexiones acerca de cuestiones varias. Una de las tantas posibles para tal cinta es su mirada en relación con el amor.
Ray Davis fue, al frente del grupo británico de los Kinks, un imaginativo constructor de atmósferas que se ponían al servicio de la consistencia de sus personajes y con ellos comunicaba las necesarias dosis de hondura y verdad a las canciones que el cuarteto interpretaba, su verdadero reto como artista, ése que cuenta historias que hablan de lo que le pasa a la gente común y corriente, dándole voz a sus anhelos y perversiones.
¡Querido Julio Torri, qué grato ser público de imágenes que se mueven al ritmo delicioso del pedaleo! Abren con la fuerza de su tracción un concepto de adoración anatómica que mantiene latentes los guiños, las miradas directas sobre el abecedario de la piel y el íntimo aspecto del sueño libertino.
El año 2009 fue memorable por varias razones. Hace un lustro sucedieron cosas importantes para la cultura que empezaron como tendencias y hoy están más que consolidadas, para bien y para mal. La más incisiva, fue que el lenguaje de las redes sociales impuso --desde entonces-- el vocabulario escrito más usado durante el año, de manera global.
¿Qué es un disco clásico? El que se puede disfrutar durante toda la vida y siempre seguirá sorprendiendo y conmoviendo. Time Out, por ejemplo. Y dentro de él la pieza “Take Five”, para corroborarlo.
“Hotel California” es el primer track del célebre disco del mismo nombre de The Eagles. Es la descripción de un espíritu dañado. Deformado por el dolor de no saber su papel en el mundo, por la profunda duda. Otra de sus anomalías está en que la mayoría de la gente la califica como “bonita”, cuando en realidad es todo lo contrario o, más bien, posee la belleza de lo terrible.
La complejidad del mundo electrónico es uno de los signos de nuestro tiempo. En ella está ensamblado el paisaje sonoro de la fragmentación con el que se construye nuestra realidad en la actualidad. Esta sonoridad no describe un estilo musical sino un contenido, un valor auditivo. Y en ella no hay fundamentos estables ni directrices que acompañen al escucha a lo largo de un camino único.
Las Shaggs no hicieron más que una grabación. No se volvieron famosas, los musicalizadores de las estaciones de radio ni siquiera las programaron, pero el papá cumplió con el sueño de que sus hijas fueran rocanroleras. Porque creía que era la música la que las acercaría a lo divino y las haría estar en concordancia con el mundo.
Especial de la 56 Ceremonia de Entrega del Ariel 2014 Parte 1. Fecha de transmisión: 31 de Mayo 2014.
Especial de la 56 Ceremonia de Entrega del Ariel 2014 Parte 2. Fecha de transmisión: 31 de Mayo 2014.
Documental "¿Qué sueñan las cabras?" - Libro "Hacia la Recuperación de una Plática Perdida: Escenógrafos y Directores de Arte del Cine Mexicano" de Elisa Lozano - XVIII Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video Mix México - DISTRITAL. Cine y Otros Mundos - Alfredo Gurrola en la Master Class 2014 de dirección cinematográfica - "La Jaula de Oro" Fecha de transmisión: 28 de Mayo 2014.
Años después, luego del suicidio de Kurt Cobain, se le preguntó a William Burroughs sus impresiones sobre el músico: “Era un joven atento y educado. Y luego de que me diera a leer las letras que compondrían las canciones para el siguiente disco de su grupo, supe que también estaba más que listo para la muerte”.
La gama de esta cultura va de lo unidimensional, tradicionalista y conservador hasta el otro extremo en donde está el avant-garde, aquél que sabe que el rock es como un gran pastel en el que la música sólo es una de sus rebanadas y el resto conformará el todo relacionado con ella: literatura, cine, pintura, teatro, arquitectura, danza, performance, al igual que las humanidades, las ciencias sociales y exactas.
Fue en la década de los sesenta que se supo que el blues era de todos, que pertenecía al mundo en general, y que la actitud asumida frente a él o con él, era el modo de expresión. Los músicos no negros encontraron en la guitarra el instrumento idóneo para manifestarse en tal sentido.
A lo largo de la vida nos enamoramos tantas veces como nos desenamoramos. Y alguna de ella nos deja alguna marca, una herida a flor de piel o en profundidad hasta los huesos.
Talking Heads se erigieron como un grupo innovador y cosmopolita que siempre se encontró en transformación y reinventándose a sí mismo. Negándose a ser convertidos en una fórmula, por más de una década trabajaron con un contenido temático poco ortodoxo y una progresión estilística continuamente adelantada a su época.
Hoy los académicos y críticos literarios tanto de Europa como de los Estados Unidos dan énfasis en sus cursos universitarios al contenido poético de la Dub Poetry, tanto en los textos de los poetas del dub están encabezados por los negroingleses Linton Kwesi Johnson y Benjamin Zephaniah y los jamaicanos Mutabaruka y Michael Smith (asesinado en un incidente político), como en los escritos de la realidad bruta que interpreta en ragga el DJ Yasus Afari, que muestran los derroteros vanguardistas que puede tomar dicha poesía en el futuro.
En el germen mismo de la concepción del Rock & Roll se puede ubicar el primer nombre en la lista de la leyenda de sus paternidades (que son muchas). Uno al que no se le ha brindado el debido reconocimiento en ese sentido, aunque un riguroso examen de su ADN musical lo comprobaría a todas luces.
Las historias de los discos más importantes y significativos para el desarrollo del jazz han estado llenas de coincidencias, hechos circunstanciales, juegos del destino o, como les dicen los científicos sociales, adecuaciones culturales, pero que en la jerga común se conocen como caprichos de la vida. O sea: magia. Es el caso de Getz/Gilberto, un álbum que editó el sello Verve en 1963.
Los temas de Chip Taylor, en sus comienzos, tenían la habilidad de reflejar la sensibilidad femenina y fueron registradas por Aretha Franklin, Lorraine Ellison, Dusty Springfield, Peggy Lee, Janis Joplin o Barbara Lewis. Sin embargo, y a pesar del éxito obtenido con varios de los títulos interpretados por ellas la segunda parte década de los sesenta fue su momento álgido, con dos canciones que lo instalaron en la historia tanto del rock como del pop para siempre.
Alejandro Escovedo inició su carrera como solista con el disco "Gravity", que fue donde finalmente encontró su voz particular. Obtuvo la libertad del músico de culto que le permitió navegar entre el alt country, el rock alternativo, el americana y el rock de raíces.
La música del Captain Beefheart rebasó por mucho el estrecho marco usualmente reservado para todas las variaciones del blues y cambios realizados a partir de Robert Johnson. Principal actor de una visión artística que él quiso universal, Beefheart inventó un lenguaje musical; mejor dicho, esculpió, pintó, coreografió, declamó y construyó su música.
Al parecer, los accidentes y las muertes prematuras resultan ser el mejor movimiento profesional que puede hacer un miembro de la comunidad rockera. No hay grupo que resida en el Olimpo o que se afane en alcanzarlo, que no tenga en su bagaje un cadáver exquisito. Baste echarle una mirada a las páginas de su bitácora.
Una de las muestras más conspicuas de la escena musical de Tokio, y que ha copado los últimos tres lustros por su calidad compositiva y connotada interpretación instrumental, es el cuarteto llamado Mono.
El talento musical del guitarrista Stevie Ray Vaughan lo llevó a desarrollar el blues (a fusionarlo con el rock), y a expandir sus fronteras como lo hizo anteriormente Jimi Hendrix, su maestro. El sonido y el genio son elementos que atan a ambos personajes en el mito. Una verdad labrada en piedra: la historia del blues (tanto como la del rock) son sus mitos.
La confrontación entre las músicas populares y académicas es ya una necedad y la presencia constante de unas en el campo de las otras ha redundado en una interrelación diferente y fructífera de la música en general. Oír la obra de Esperanza Spalding, en este sentido, es brindarse la oportunidad de ensanchar tales referencias.
Los grupos del tango nuevo (inserto en la dimensión del 2.0) son herederos de la influencia musical de Astor Piazzolla. Pero también tienen la consigna de agrandar su monto, de enriquecerlo. Y para ello han necesitado también quitarle el polvo del tiempo al mismísimo compositor. Darle sus visitaditas y ver qué ropa nueva necesita. Renovarse o morir, sentencia un dicho por todos conocido.
Así fue como llegué a mi último curso en el liceo. Era 1961. La sorpresa en el mismo no la causaron las nuevas materias o los maestros, sino otro compañero que en la cafetería de la escuela puso en el aparato de sonido del local la canción del día: la famosa pieza “Hit the Road Jack” de Ray Charles.
El rock es heredero directo del romanticismo y sus poetas también lo son. Se han negado a hacer una distinción entre el arte y la vida. Personalidad sobresaliente de dicha escena ha sido Lou Reed desde los años sesenta con sus letras crudas, incisivas y cargadas de poética urbana.
En el mundo de la música suceden cosas semejantes al de los vinos. Hay años de cosechas excelentes, regulares e intrascendentes (no necesariamente malas). Es un hecho que se ha repetido a lo largo de la historia, y las causas de uno a otro varían por una serie de circunstancias que sería inútil enumerar para configurar un patrón.
Década tras década, desde su lanzamiento, se le ha considerado la obra cumbre del jazz por historiadores de la música, críticos y público.
El alcohol y las drogas fueron el paliativo de Eric Clapton, el dios rockero, para sobrellevar la pena. Sin embargo, nada lo consolaba. Dicen que no dormía, que todo se le iba en puro llorar. Fue cuando la luz del blues se le encendió allá por el horizonte. Él era un bluesero, ¿no?, entonces sería con esta música con la que combatiría a sus demonios.
El británico Kieran Hebden es más conocido como Four Tet, su nombre de batalla como productor de post-rock y de música electrónica. Forma junto a Burial y Apparat el tríptico contemporáneo más importante de la sutilización sonora que acompaña nuestra época.
Los Beatles lograron con un par de discos, en 1963, una de las cumbres mayores en la historia del rock con su luminosidad lírica y calidad tanto compositiva como interpretativa.
La Navidad (ya desacralizada) es, sobre todo, un concepto. Para unos es un jugoso negocio sentimental. Para otros es la visión de un deseo, de una espera.
"Morir de pie" - Eurídice - "El Sueño de Lú" - Gustavo García Gutiérrez Fecha de transmisión: 27 de Noviembre 2013.
Los intérpretes del gangsta rap han pavimentado el camino hacia las listas de popularidad con cadáveres. ¿Realidad o truco publicitario? Es igual, en este rubro, el crimen paga y bastante. La violencia es su negocio y con él ganan millones (también por otras adictivas ilegalidades derivadas de la misma).
Ian Dury, al igual que el Marqués de Sade, llevó el asunto del exceso más allá del escándalo. Muchas veces hasta la comedia, tanto así que la primera vez que se presentó en la televisión inglesa cantó, a pesar de que el productor le pidió que no lo hiciera, un tema que ya circulaba como un himno en el underground británico: “Sex & Drugs & Rock & Roll”.
"La mayoría de la gente no se da cuenta de mis antecedentes familiares húngaro-bohemios. Mi madre era una húngara de verdad, de varias generaciones anteriores. De ese pasado eslavo y gitano, vienés, algo me caló los huesos, algo que nunca me abandonó. Pero mi forma de expresión es completamente estadounidense”, indicaba el tecladista Joe Zawinul.
La Edad del Cobre, también llamada Calcolítico, (de jalkós, cobre; y líthos, piedra) es un período de la Prehistoria ubicado entre el Neolítico y la Edad del Bronce.
La obra del dúo proveniente de Dinamarca, The Raveonettes, exige del escucha paciencia y entrega para saborear las piezas precisas y preciosas que componen sus discos hasta la fecha, tal como pasa con las mejores experiencias.
Bernardino de Ribeira, mejor conocido como Fray Bernardino de Sahagún, pudo haber sido el primer antropólogo de América, según opinaron los eruditos Ángel María Garibay Kintana, Miguel León-Portilla y don Manuel Acosta Saignes, entre otros. Sepamos por qué.
“Cuando escucho ‘When a Man Loves a Woman’ algunas veces me duele como una vieja herida de guerra; otras, me resulta un tanto agridulce, pero nunca ha dejado de gustarme. ¿Sabes una cosa? Cuando amas a una mujer, eso hace que te broten canciones —tuyas o no, seas músico o no— que están en lo más hondo de ti.
Un personaje del blues primario cumplió con todos los requisitos que necesitaba la cosmogonía del rock: Robert Johnson. Es el bluesero más venerado por los rockeros aún hoy en día.
La medicina ha llamado a la locura de diversas formas que, al final, no iluminan el enigma de la vida y olvidan el hecho de que existe un sufrimiento creativo y otro destructivo. Y éste, para tal disciplina, resulta sospechoso y sólo puede explicarlo como una enfermedad.
Los paseos incondicionales por los vericuetos de la fusión, al igual que los contenidos ritmos cruzados de percusionistas caribeños, africanos o sudamericanos, así como las ágiles líneas extraídas por bajistas de jazz y las pulidas meditaciones del acordeón, la trompeta o el flugelhorn. son pruebas de la mejor mixtura hipermoderna de Rabih Abou-Khalil.
La descripción clásica es la de un caballo blanco con patas de antílope, barba de chivo y un cuerno en su frente.
La música de Nitin Sawhney contiene una poética insólita y brillante, aglomeradora de géneros y emociones en la que se demuestra que no todo está dicho ni escrito, ni tocado ni cantado, confirmándose así el artista como digno heredero de la tradición de quienes reflexionan con la música y el baile
Entre las REVOLUCIONES ocurridas en diversos países, la Revolución Francesa decididamente fue la más espectacular.
Para interpretar la cuestión amorosa el dúo She & Him (nombre tan sencillo como su propuesta), se decantó por la visión de ella y, en cierto modo, por su personalidad e imagen cinematográfica: la joven candorosa siempre sorprendida por las manifestaciones de la vida y del amor, y que ella (Zooey Deschanel) tan bien proyecta con esos grandes, redondos y hermosos ojos y la mirada cándida que emiten.
Rock & Roll. Este género fundacional, en la era hipermoderna y por su inherente razón de ser, no se evade de lo aprendido a lo largo de su historia (no en balde más de 60 años de él), pero por su propia genética asimila en forma constante las visiones que los nuevos grupos traen consigo en sus interpretaciones.
Burial ha ejercido su reclamo a ese derecho llamado “privacidad” desde que Fama lo pusiera en la palestra. Y todo a causa de los discos (Burial, Untrue, Kindred) que lo han catapultado al exclusivo lugar de los grandes creadores de la música electrónica.
Un profesor de filología inolvidable, se refería a nosotros, sus alumnos, en especial cuando había un bajo desempeño en las tareas y exámenes, como: “¡Fulleros, tránsfugas, ratas de escuela, piratas de sus padres, sepulcros blanqueados (impecables por fuera y llenos de podredumbre por dentro)“ y muchas linduras más.
Nadie podría haber firmado ese guión. Mientras el extraordinario músico de jazz Bill Evans moría en Nueva York, a miles de kilómetros, en el otro extremo del continente americano, una niña atípica trataba de transcribir las piezas de este pianista al papel para poder interpretarlo. Ella se llamaba Eliane Elias y desde entonces no dejó de convivir con su fantasma.
Entre otros elementos, el instinto y el sentimiento sirven para medirse en el universo genérico del rock. En la corriente del shoegazing, y de la posterior nu-gaze, este credo sostiene aquellos elementos como sus valores únicos y centrales. Concepto deliberadamente ambiguo y hasta confuso para quienes no participan de él.
Ya sea como referencia descriptiva del optimismo, de un sentimiento, como mensaje de fe libertario, como herramienta de requerimiento social o de autoconfianza, la canción “I’m a Believer” ha desarrollado una historia particular y se ha mantenido fresca en la psique colectiva de varias generaciones.
Al final de la Segunda Guerra la región donde se ubicaba la casa de mis padres fue casi sacrificada: escaseó no solamente la comida sino también la leña, la madera…
El jazz del nuevo siglo, tal y como lo entendieron los integrantes de nuBox, el grupo alemán acentado en Berlín, no es ya un patrón estándar al que pulirle las aristas con gotitas de acid, sino un relato de final abierto. Sí, un relato al que sumar elementos de otras tendencias: el blues, el soul, el dub, el breakbeat, el free style, el rock industrial, el e-jazz y, sobre todo, el concepto de DJ, para formar una síntesis creadora y activa.
Ninguna acción resume mejor el delicado equilibrio de la adolescencia que el hecho de fugarse. Quienes han practicado este desafío saben, como cualquier náufrago, que la huida es un salvavidas que permite desafiar la gravedad y la ley y significa el primer mandamiento de la autodefinición: lo peor que te puede pasar cuando huyes es encontrarte con tus fantasmas y finalmente contigo mismo.
Imaginarios sonoros, presenta la segunda parte de la entrevista realizada a uno de los más importantes creadores del arte sonoro en Iberoamérica, Julio Estrada. Escucharemos en voz del maestro Julio Estrada la historia de su emblemática obra “Murmullos del Páramo “.
El magno exponente de la literatura latinoamericana es, sin duda, Gabriel García Márquez; el colombiano que ha tenido un éxito mundial con su larga serie de libros. En segundo lugar podemos colocar a Mario Vargas Llosa.
Los álbumes de esta formación, en general, se distinguen por la enorme diversidad de atmósferas, de luces y de sombras, así como por su carácter europeo en el uso ambiental y jazzeado de los saxofones, trompeta, órgano y piano.
El castillo más bello del mundo es sin duda el que construyó Luis II de Baviera.
Apparat ha crecido en nombre y propositivamente con una obra que evoluciona y trasciende sin cortapisas. Desde el púlpito de lugares como el celebérrimo club Berghain o el Tresor de la capital alemana, dicho DJ ha cumplido con ambas cosas y su futuro es más que promisorio.
La strippers de este club son bellezas para gustos diversos que serán recordadas, además de por sus atributos físicos, por su imaginación, su talento para despojarse de la ropa y su exposición artística (con todos los guiños a los tópicos clásicos, que van del pin up al bondage y al nice kitsch).
El productor Rick Rubin apostó por la buena música que había escuchado en un concierto en Los Ángeles del grupo Gossip. Lo firmó para la subsidiaria Music With a Twist, que tiene como objetivo a los artistas del término LGBT (lésbico, gay, bisexual y trans), y grabó su irónico cuarto álbum: Music for Men, lanzado en el 2009 (a éste le ha seguido A Joyful Noise).
El dinero fue creado como un instrumento que facilitara el comercio entre las personas.
"Memoria recuperada" - Ciclo BandaSonoras presenta: Dr. Fanatik - Segundo Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos Fecha de transmsión: 26 de Junio 2013.
En el rock de garage que interpretan The Vaccines está el germen de la cadena biológica del rock, el que señala su ADN (con alma incluida).
Enrique Rosas nació en Puebla el último cuarto del siglo XIX. Muy joven se interesó en el cinematógrafo y, a partir de entonces, se dedicó en cuerpo y alma a la industria del cine.
En el 2012, Dan Auebach, el cantante y guitarrista de Black Keys’, llamó a Dr. John para proponerle la producción de un álbum. El “galeno” aceptó. Dr. John, quien antes de graduarse en medicina vudú fuera Mac Rebennack, nació y creció en Nueva Orleáns con el sonido de su música.
En Saigón, el encuentro entre repertorios tradicionales y músicas cosmopolitas occidentales generó dinámicas culturales ligadas a fenómenos de movilidad, como la emigración de los músicos y la relación entre metrópolis vecinas.
El Bardo o el Cisne de Avon es reconocido internacionalmente como el sobrenombre elogioso de William Shakespeare.
Daniel Jonhston es una víctima extrema de lo que los psicólogos llaman trastorno bipolar. Es lo que hace poco se conocía como un piscótico maniaco-depresivo y antaño simplemente como un “loco”. Johnston tiene más de cincuenta años y es un artista outsider de la música, del dibujo y del video.
Aquel año, 1968, fue un periodo fantástico para el rock en general. Aparecieron en escena corrientes, movimientos géneros y subgéneros que enriquecieron el acervo de la cultura popular.
El régimen estalinista checoeslovaco enfrentaba una creciente movilización de la juventud y la intelectualidad. En 1968 la crisis de la cúpula se combinó con el impulso de un enorme movimiento popular. Estalló así la llamada “Primavera de Praga".
La música resultó fantástica en 1968. Con ella no tenía uno que tragarse los sermones que predicaban una radicalidad impoluta, esos que acaramelaban a los integrantes de los comités de lucha.
El año 1968 significó, para los analistas, la cristalización conjunta del malestar obrero, el malestar estudiantil por la educación y la explosión del reino juvenil que estaba cociéndose desde hacía años. “La revolución ¡ahora!” fue el grito fundamental.
La revolución, en la que puede terminar una revuelta, aspira a la permuta en todos los órdenes de la vida, y en cada aspecto es fundamental encontrar a los que busquen una nueva visión del mundo, a los que fundamenten el cambio.
Sonic Youth nació como descendiente del underground sesentero y como hijo putativo del punk, pero solo en la actitud, ya que en cuestión de sonido no admitió comparación con nada. Su música como la de sus antecesores, sacudió los cimientos de la escena de manera irreversible.
En gente como Melody Gardot, oriunda de Filadelfia, la palabra “swing” se transforma en verbo. Porque la carnalidad de su estilo es la manera ideal para describir ese acto de crear una pulsión y el flujo rítmico que constituyen la marca distintiva de una auténtica intérprete del jazz (en este caso con tendencia hacia el pop soul). Y eso lo ha logrado a sus escasos 26 años de edad.
"La vida sin memoria parece dulce" - "Canela" - MANTIS, Retrospectiva de la Música Electroacústica de Felipe Pérez Santiago - Riviera Maya Film Festival 2013 - 33 Foro Internacional de la Cineteca Nacional Fecha de transmisión: 10 de Abril 2013.
El número 9 representa la cifra 1953 (la suma de sus componentes proporciona tal resultado). Dicho número simboliza la finalidad, los logros, la realización y/o la superación.
De la India procede una de las familias más activas, ilustres e importantes de la cultura de aquel país. Una dinastía que se ha distinguido por establecer puentes sólidos entre la suya y las de otros lugares del planeta; por vincular sus raíces a la modernidad: los Shankar.
El rock con sus fuertes raíces acendradas en lo popular, en la extravagancia marginal como parte de su esencia, se nutrió de las imágenes subterráneas.
Cátedra Ingmar Bergman - "Un Mundo Secreto" - "Infancia Clandestina" - Festival Internacional de Cine en Guadalajara 28 - NOVEL Foro Mexicano Para El Cine Nuevo - Ciclo Banda Sonoras, Cine Mudo a Ritmo de Rock Fecha de transmisión: 13 de Marzo 2013.
Las canciones del grupo angelino Best Coast son emblemas y resúmenes emocionales, unos que se ubican entre los pliegues de la segunda década de cualquier vida, y que en esta época de mundialización son más homogéneos de lo que se pudiera pensar.
De acuerdo con información de la Organización de las Naciones Unidas, México está catalogado como fuente, tránsito y destino para la trata de personas para diversos propósitos, como la explotación sexual y trabajos forzados. Según el organismo internacional, los niños, migrantes, indígenas y las mujeres son los grupos más vulnerables.
Programa dedicado a Pancho Villa por los 97 años de la invasión a Columbus, donde nos acompañan la señora Malena Berrones, integrante original del dueto "Las Lupes" y el historiador Pablo Moctezuma Barra.
Tras el nombre de DAAU se esconde un original grupo belga que factura una sugerente base jazzística que mezcla la música académica con chispazos de dance, flamenco, tango, tecnología digital y rabia rockera.
El arte rockero de Mark Oliver Everett, principalmente cuando se encarna como EELS, aspira a lo que Edgar Allan Poe (uno de sus héroes románticos) llamó "Unidad de Impresión".
La historia oficial de la música nunca le ha hecho justicia a Ike Turner, un excelente intérprete del blues, del rythm & blues, del soul y funk en la guitarra, además de ser un compositor prolífico y agudo productor en estos géneros.
El de Damien Jurado es un mundo plagado de afligidos hombres y mujeres con anhelos rotos y vidas desoladas, quienes están a la espera de algo que nunca llega.
Cuong Vu, de nacimiento vietnamita, es un músico aventurero, producto del posmodernismo y de su largo directorio de influencias, urbano, pleno de expresividad y de riqueza instrumental.
Las flores insospechadas de la cratividad brotan en momentos diferentes, hasta en mundos distintos. Esa parece ser la explicación razonable de los actores con una carrera musical intermitente.
La aparición y desarrollo, en la primera década del siglo y los primeros años de la segunda, de un grupo como Gorillaz lleva a reflexionar sobre cómo la música popular más inteligente se interesa cada vez más por las formas a través de las cuales se elabora a sí misma.
En los practicantes de géneros como el académico y el popular el gusto de hoy por involucrarse con el otro les ha dejado una huella mucho más profunda que antaño. Y seguramente es así, porque así deben ser los acercamientos: definitivos (en un momento dado) y siempre en incremento (la siguiente vez).
Daniel Hidalgo y su música para el cine - La Revolución de los Alcatraces - El Santos VS La Tetona Mendonza Fecha de transmisión: 2 de Enero 2013.
China será centro indiscutible del planeta en el pimer cuarto del siglo XXI. El futuro cabalgará portando en la mano, como lanza, la aguja de la acupuntura (noise, ambient, techno, avant-garde), y sus quijotes musicales realizarán con ella hazañas en cabalgaduras sonoras inéditas.
Bob Dylan es un clásico contemporáneo. Un autor necesita pasar por las manos de varias generaciones para alcanzar tal condición.
Melancolía, reflexión, tristeza, irritación, alegría...Son estados anímicos que se manifiestan en las personas durante la época navideña.
Concierto inaugural de la Cineteca Nacional del Siglo XXI. Devoción, pieza cinematográfica de Emilio Maillé con música original de Michael Nyman. Transmisión diferida del 28 de noviembre de 2012.
Concierto inaugural de la Cineteca Nacional del Siglo XXI. Devoción, pieza cinematográfica de Emilio Maillé con música original de Michael Nyman. Transmisión diferida del 28 de noviembre de 2012.
El conservadurismo estadounidense agregó el rock & roll a su particular averno negro porque, según éste, los ritmos salvajes producidos por dicha música ponían de relieve la libido primordial contra la que el hombre blanco había tratado de erigir la barrera de su cultura frágil y amenazada.
Taj Mahal no comparte la actitud crítica mantenida por muchos de sus contemporáneos hacia el hiphop. Es más, la mayoría de las cosas de ese género le gustan bastante.
Con el inicio del siglo XXI, los artistas nipones han comprendido que la preservación cultural no es ir contra el mundo sino con su corriente. Y la corriente contemporánea es la globalidad en su mejor acepción: la de compartir.
Por Sergio Monsalvo C. Con cada disco, Robert Wyatt confirma ser un género en sí mismo y su voz (en tres idiomas: inglés, italiano y español), un fenómeno al que el japonés Ryuichi Sakamoto ha definido como “el sonido más triste del mundo”...
Por Sergio Monsalvo C. Las mujeres dentro de la música sincopada, con todas sus formas contemporáneas y sus alquímicas combinaciones...
Joven Creadora en la disciplina: Composición Musical de Otros Géneros.
Tutor en la disciplina: Composición Musical de Otros Géneros.
Joven Creador en la disciplina: Composición Musical de Otros Géneros.